Cinefilia

Por Yasser Medina
En diciembre 31, 2018
Sin comentario

Han pasado 365 días de fotogramas alrededor del Sol, y estamos en esa época del año en que, como de costumbre, comparto mi listado de las películas que, a mi juicio personal, son las mejores del año. Estas películas tienen la mayor calificación que puedo otorgar dentro de mi sistema de evaluación. Periódicamente se irá actualizando a medida que vea películas de ese año que considere que puedan ingresar, así que la lista que verán a continuación no es definitiva y estará sujeta a cambios.

8. First Man

La odisea del espacio del joven realizador Damien Chazelle consigue filmar la hazaña del alunizaje como pocas veces se ha visto en el cine. Su película es tensa, emotiva y muy dramática representando la figura de Neil Armstrong (tremendamente interpretado por Ryan Gosling).

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7. Capernaum (Capharnaüm)

Puede que la película de Labaki sea ficción, pero lo que documenta con la tragedia del chaval desfavorecido tiene, en mi opinión, un ojo crítico que se sale de la pantalla. Es un retrato impresionante, crudo y muy agridulce sobre los más vulnerables. Pocas películas del año me han conmovido como esta.

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6. BlacKkKlansman

La película policial de Spike Lee, con claras referencias al género blaxploitation y a la estética setentera como los peinados afros y las ideologías del Black Power, mantiene una narración enérgica que reparte momentos en los que prevalece una parodia que luego cede el paso a la tragedia, filmada, cerca del clímax, con la mirada política de un documental, quizá para reflejar una xenofobia universal que, en ocasiones, se ha presentado tanto en la historia como en el cine. Es ocurrente, atrevida, entretenida y muy necesaria, pero, sobre todo, es la mejor que ha dirigido en mucho tiempo.

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5. Cold War

Con esta película, filmada con un precioso blanco y negro, Pawlikowski cincela un romance poético, desgarrador, melancólico, sobre un hombre y una mujer que se aman demasiado en los tiempos de un régimen que los oprime. El sofisticado tonelaje que tiene para crear escenas íntimas me ha sacado lágrimas de enternecimiento, es una película muy emotiva.

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4. Roma

Cuarón edifica una película hermosa, emotiva, humana, que recrea una época con gran meticulosidad estética y disecciona las desigualdades entre clases sociales en un lapso muy particular de la historia sociopolítica mexicana, presentado desde la óptica de la mujer indígena latinoamericana. Es, posiblemente, la película más intimista que ha realizado en toda su trayectoria.

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3. The Favourite

La película construye un mosaico majestuoso que honra la cotidianidad de la realeza en un período particular de la historia británica, rodado con un precioso estilo barroco en el que se presencia estupendas actuaciones de Olivia Colman, Rachel Weisz y Emma Stone. Es un drama de época de gran envergadura formal, la cinta más imponente en la filmografía del director griego.

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2. Shoplifters

La película supone otra pieza magistral en la filmografía del director japonés, Hirokazu Koreeda, cargada de emociones periódicas y momentos dramáticos de gran intensidad de los que salgo conmovido hasta las vísceras cuando soy testigo de una familia “deshonesta” que jamás se separa de lo verdaderamente humano.

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1. The House That Jack Built

Con esta fábula al servicio de la perversidad y del humor negro más consecuente, Von Trier esculpe nuevamente una película que es tan cautivadora como provocativa, con una actuación sumamente metódica de un soberbio Matt Dillon. Ilustra (con claras referencias a Blake, Alighieri, Delacroix, Goethe y el mismo cine del realizador) los claroscuros interminables de los mitos del artista. Es, a mi parecer, la mejor película del año.

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Por Yasser Medina
En diciembre 22, 2018
Sin comentario

En el año 1969, durante el mes de julio, tres astronautas subidos en una nave espacial realizaban un recorrido de cuatro días por el espacio en lo que sería la travesía más larga de la historia de la humanidad, el viaje imposible hacia la Luna. Parecía imposible por las dimensiones y los retos de ingeniería aeroespacial que suponía navegar por el espacio a tal distancia para plantarse en la superficie de un lugar tan inhóspito y desconocido como la Luna. Pero cuando alunizaron el 20 de julio consiguieron un triunfo que, por un momento diminuto, unificó a una raza humana que se hallaba dividida en una contienda ideológica conocida como la Guerra Fría. Uno de los astronautas que se encontraba allí dijo una histórica frase: “este es un pequeño paso para el hombre, pero un gran salto para la humanidad”. Su nombre era Neil Armstrong, quien, a partir de ese día y esas palabras célebres, se convirtió en el primer hombre en pisar el suelo de la Luna.

Estos eventos forman parte de la narración de First Man, la cuarta película del joven realizador de Whiplash y La La Land, Damien Chazelle, que, con un magnífico tratamiento formal, construye un viaje íntimo, casi en primera persona, de un hombre estoico que tiene una fuerza de voluntad tan enorme como la redondez de la Tierra. Una película que no glorifica a Neil Armstrong como un héroe nacional, sino que, más bien, opta por ilustrar la determinación de una persona hermética e introspectiva que llora en silencio por el duelo causado por un menoscabo familiar. Es el mosaico de alguien que cae mil veces en la tierra para levantarse por los terrenos insospechados del cielo. Y lo presenta con secuencias vertiginosas que recrean la experiencia de los astronautas cuando se enfrentan a la toma de riesgos y con una música que añade poseía sonora al mutismo del espacio.

La historia de la película, escrita por el guionista Josh Singer y basada en el libro biográfico de James R. Hansen del mismo título, ofrece un vistazo microscópico a la vida cotidiana de Neil Armstrong (Ryan Gosling) en un lapso de tiempo de nueve años (1961-1969), donde vive con su esposa Janet Armstrong (Claire Foy) y sus dos hijos, Rick y Karen. Durante ese período, trabaja en la NASA como piloto de pruebas circunnavegando los cielos que cubren el desierto de Mojave, pilotando aviones hipersónicos en experimentos que, a veces, no son tan exitosos, pero que lo endurecen ante la contingencia inminente. Tanto en su profesión como en su familia, Armstrong se percibe como un sujeto reservado que pocas veces dice lo que piensa. Lo distrae el hecho de que su hija Karen, la cual ama con todo su corazón, padece un tumor cerebral. Cuando la pequeña Karen se muere, Armstrong se queda ensimismado, taciturno, encerrado en una cárcel de desconsuelo que lo impulsa a participar en el Proyecto Gemini que tiene el propósito de transportar al hombre a la Luna.

Ryan Gosling, con una formidable interpretación, consigue penetrar en la cerrada personalidad de Armstrong. Su meticulosa actuación transmite la desolación que registra Armstrong cuando su pequeña hija agoniza de cáncer (catalizador que robustece sus pensamientos), la preocupación que le provocan las pruebas fallidas del programa que ha matado algunos de sus compañeros, la sensación de vértigo y claustrofobia que le produce el espacio en los momentos más cruciales de la misión, cosa que disimula con una cara inexpresiva que es más fría que las temperaturas del espacio. Debajo de la capa de frialdad, desapego e introversión se halla un individuo de corazón humilde que está motivado por sus seres queridos. Todo es descrito desde la óptica de Neil Armstrong y no hay tiempo para desarrollar a los secundarios. Lo acompaña una soberbia Claire Foy como Janet Armstrong, la madre que asume la responsabilidad ante una posible tragedia y que puede matar con la mirada de su volcánica personalidad.

Chazelle edifica la película a partir de primeros planos y de una subjetividad que propala la represión de impresiones del protagonista de Gosling para que este hable con la mirada cuando se halla confinado en el reducido espacio de la nave, un vislumbre casi intrínseco que representa todo lo que ve Neil Armstrong cuando está contenido en la cabina de un avión supersónico o en el vibrante compartimiento del módulo espacial que se agita hasta el síncope. Hay temblores producidos por la ignición del cohete, cientos de botones en el panel de control, luces rojas que pinchan peligro, giros agresivos con unos desencuadres que marean, que agobian, que logran que uno se sienta inmerso en una pericia tan apretada. Le da un atisbo subjetivista al alunizaje más épico con una brillante secuencia, en la que adorna el albur con una partitura muy empática de Justin Hurwitz y con un despliegue visual de Linus Sandgren que revela un espacio tranquilo que, como Armstrong, también se siente aislado y perdido en una soledad abrumadora, la prosopopeya ideal para la angustia del protagonista.

La odisea en el espacio de Chazelle, en un claro homenaje a The Right Stuff (Kauffman, 1983), se cincela sobre una parábola del descubrimiento impulsado por los trágicos encontronazos de la vida, disminuyendo la diatriba patriotera que usualmente adorna este tipo de películas cuando solo se centran en la obsesión política de la carrera espacial y en el orgullo chauvinista. Comunica que las cosas grandes tienen comienzos pequeños, e ilustra el microcosmo mental de un personaje afligido por una pena irreversible, uno que, a la vez, se contrasta con la Luna como el símbolo de la solemnidad de la muerte y de una agonía que anhela escapar hacia el vacío más oscuro de la redención. Su virtuosismo técnico se conjunta con una narración muy emotiva que resalta el triunfo de la voluntad humana. Se narra con drama, tensión y un hiperrealismo que relata la hazaña del alunizaje como pocas veces se ha visto en el cine.

Streaming en:

Ficha técnica
Año: 2018
Duración: 2 hr 21 min
País: Estados Unidos
Director: Damien Chazelle
Guion: Nicole Perlman, Josh Singer
Música: Justin Hurwitz
Fotografía: Linus Sandgren
Reparto: Ryan Gosling, Jason Clarke, Claire Foy, Kyle Chandler, Corey Stoll,
Calificación: 8/10

Tráiler de la película

Por Yasser Medina
En diciembre 18, 2018
Sin comentario

El cine de Alfonso Cuarón, director mexicano que ha roto paradigmas en una carrera de tan solo ocho largometrajes, es uno que siempre ha retratado la figura de la mujer en las distintas etapas de la vida. Las mujeres que habitan su universo cinematográfico ejercen un papel fundamental para registrar ideas como la soledad, la angustia, la maternidad, la libertad; féminas que se enfrentan a los duros golpes que trae consigo la existencia y son víctimas de tragedias grises que ayudan a fortalecerlas ante unas vicisitudes que son tan transitorias como los momentos que se quedan impresos en los recuerdos. Sus protagonistas están solas frente a un futuro incierto y las experiencias que no pueden controlar. Y esto es algo que estampa, de forma muy íntima y grandilocuente en Roma, su más reciente película estrenada en la plataforma de Netflix, que tiene como protagonista, precisamente, a una mujer que es muy importante para el propio Cuarón.

La película supone el regreso de Cuarón al cine de autor mexicano más destilado desde la inolvidable Y tu mamá también, pero también funciona como autohomenaje cubierto de referencias de sus propias películas. Nos cuenta, indirectamente, un fragmento autobiográfico de su niñez, de su familia y de la nana que lo cuidaba a él y a sus hermanos como si fueran hijos suyos. Y lo que narra me conmueve. Es una película hermosa, emotiva, humana, sin música (solo diegética), que recrea una época con gran meticulosidad estética y disecciona las desigualdades entre clases sociales en un lapso muy particular de la historia sociopolítica mexicana, además de mostrar una enriquecedora parábola sobre la relevancia de la mujer menos pudiente.

El título de la película proviene de la Colonia Roma en la Ciudad de México, el lugar donde Cuarón creció y en el que se desarrolla el relato de la protagonista, Cleo (Yalitza Aparicio), a principios de los años 70. Cleo es una mucama muy joven que vive en la Colonia Roma en el seno de una familia de clase media. Es una muchacha poco privilegiada que viene de un pueblo indígena. En la casa de la familia, Cleo, junto a una compañera de ascendencia mixteca al igual que ella, desempeña las labores cotidianas como barrer el piso sucio, lavar los platos y comprar la comida que cocina para todos, pero también custodia a cuatro niños muy traviesos a los que ella quiere como si fuera su madre, asumiendo un rol maternofilial cuando la madre se halla ausente discutiendo fuera de campo con el padre. Es una época jovial que ella aprovecha en sus tiempos libres para salir a caminar, enamorarse, ir al cine a ver películas y jugar con los niños, pero unos planos simbólicos revelan una desdicha que amenaza con apalear su vida tan fuerte como las olas del mar.

La oaxaqueña Yalitza Aparicio, sin ninguna formación actoral previa, se roba mi sensibilidad en todas las escenas cuando ilustra, con naturalidad, los claroscuros que amenazan la esperanzadora vida de Cleo, transformándola en una persona de tres dimensiones, orgánica, que encuentra felicidad con la familia burguesa para la que trabaja como empleada doméstica, pero que, al mismo, también se siente sola y abandonada cuando es víctima del sacrificio, de los esfuerzos de proteger a los niños de una familia que se descompone, del egoísmo de un novio comprometido políticamente, de la violencia producida por una enorme agitación social, del dolor que le provoca un parto prematuro que me ha humedecido las retinas. Su registro dramático dota de mucha emotividad a Cleo.

Cuarón describe la vida diaria desde la perspectiva de una trabajadora doméstica como pocas veces se ha visto en el cine. Ilustra una observación social sobre una mujer que, a pesar de que se gana la vida con dignidad, muchas veces no puede afrontar las dificultades laminadas en la realidad. Comunica que Cleo, al igual que muchas sirvientas, a veces es invisible para la familia aburguesada para la que trabaja, y sus problemas personales, los traumas de cosas tan graves como una depresión posparto, o el miedo a quedarse desempleada, pasan desapercibidos por su condición socioeconómica y la clase social a la que pertenece. Detrás de la generosidad y de la tranquilidad también se halla un ser de carne y hueso que sufre la pérdida de un ser querido, alguien que con un poco de contacto humano puede aliviar la pena y darle sentido al vacío que siente, tal y como hace Cleo en la playa cuando se rodea de los niños que atiende con devoción como si fueran sus hijos. Cuarón la humaniza con el encuadre.

La película construye un mosaico fidedigno que honra la cotidianidad y un período histórico del México de los años 70, rodado con un precioso blanco y negro (de 65mm) que provoca una sensación de nostalgia ajena, como si las imágenes están siendo recordadas por alguien (la cámara de Cuarón). Con travellings laterales muy recurrentes, paneos, sobreencuadres y planos muy panorámicos, Cuarón nos pasea por los caminos de su infancia y nos presenta las calles de la ciudad atestadas de vendedores ambulantes, los restaurantes de comida criolla, las salas de cine en el que solo pasan películas clásicas, los suburbios aledaños que cercan la zona metropolitana donde vive gente muy pobre, la manifestación de estudiantes que terminó con la Masacre de Corpus Christi (El Halconazo, 1971). Son porciones de las reminiscencias de Cuarón que la protagonista omnisciente (la cámara) los utiliza con los ojos de una mujer para pasearnos por su lugar de crianza que es, a la vez, un espejo de la nuestra.

Lo que atestiguamos es, entonces, cine de autor regocijante y vitalista a favor de la poesía cotidiana, la epístola formal de Cuarón que dignifica la efigie de la mujer indígena latinoamericana que se superpone a las desgracias y las adversidades. Es la revalorización del pasado identitario de nuestro núcleo familiar y de las vivencias sacadas de allí que se han congelado en el tiempo de la memoria. Es, posiblemente, la película más intimista que ha realizado en toda su trayectoria.

Streaming en:

Ficha técnica
Año: 2018
Duración: 2 hr 15 min
País: México
Director: Alfonso Cuarón
Guion: Alfonso Cuarón
Música:
Fotografía: Alfonso Cuarón, Galo Olivares
Reparto: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Marco Graf, Diego Cortina Autrey
Calificación: 8/10

Tráiler de la película

Por Yasser Medina
En diciembre 12, 2018
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A principio de los años 70, Orson Welles había comenzado a rodar The Other Side Of The Wind cuando regresaba a los Estados Unidos después de un exilio de varios años por Europa. Welles pensaba que con esta película se ganaría la confianza de los peces gordos de Hollywood que una vez le dieron la espalda para financiar sus películas y volvería a la cima de la popularidad que poseyó con el estreno de la magnífica Citizen Kane. Sin embargo, no todo salió como él esperaba. El rodaje fue caótico. Puso dinero de su propio bolsillo para filmar. La producción entró en un limbo financiero que dificultó el proceso para terminarla, a pesar de que con todas las dificultades pudo completarse en 1976. Los problemas legales y económicos que enfrentó Welles impidieron que ensamblara el montaje en la postproducción. Cuando Welles falleció en 1985, dejó algunas películas que, al igual que esta, quedaron inacabadas.

A par de años de esas contrariedades y gracias a una labor titánica de Peter Bogdanovich para rescatarla, finalmente en la plataforma de Netflix se ha estrenado esta película que se había quedado encapsulada en el tiempo durante más de 40 años. Y no hay desperdicio alguno. La última película de Welles, rodada con un estilo de falso documental que galantea con el metacine, es un drama experimental que posee un éxtasis contagioso cuando satiriza los artificios del cine de Hollywood y el cine de autor europeo de la contracultura. Aunque no esté a la altura de sus grandes obras, el estilismo visual que tiene es poco convencional, intencionalmente desordenado, de edición muy apresurada, filmado a color y en blanco y negro para contar las vicisitudes de un director de cine que se halla filmando una película experimental que piensa que podría sacarlo del olvido.

La historia de este director ficticio, J.J. “Jake” Hannaford (un memorable John Huston), es una indirecta autobiografía de Welles, cosa que desmintió en muchas ocasiones. Hannaford es un director del Hollywood clásico, un hombre de figura imponente, altivo, irónico, siempre con el cigarro en mano, que realiza una tumultuosa película tildada como su “regreso”, pero que se ha complicado por la partida del protagonista y por la falta de fondos para continuar rodando. Fuera del plató, celebra una fiesta de cumpleaños en su casa con la intención de que las celebridades que lo visitan se interesen por su filme. En la festividad hay alcohol, mujeres, enanos, maniquíes, toda una catarata de excesos. Allí lo acompañan ciertos invitados, gente cercana a él como su discípulo y joven realizador Brooks Otterlake (Peter Bogdanovich), así como también actores, actrices, directores, periodistas, críticos de cine y una docena de camarógrafos que filman cada rincón de la inmensa mansión con cámaras muy inquietas.

Huston como Hannaford es el típico personaje wellesiano: megalómano, cínico, desafiante, amado por unos y odiado por otros, el genio al que el tiempo le ha pasado por encima y se ha quedado estancado en la desidia. Inspirado en la personalidad de Hemingway y del mismo Welles, representa la efigie del cineasta del viejo Hollywood que ha sido abandonado por una industria que solo se interesa por lo nuevo. Su amistad con Otterlake, quien a su vez simboliza la nueva generación de Hollywood (una clara referencia a la fama que disfrutó Bogdanovich), es el contraste adecuado, porque cree, con una envidia latente, que la película que rueda puede igualar el éxito del que goza su pupilo y demostrar a todos sus admiradores que todavía puede hacer un cine capaz de superar a los nuevos cineastas. Es una relación casi paternofilial, pero es, a la vez, una que se derrumba por el cine, asunto que, en la vida real, también sucedía entre Bogdanovich y Welles, cuando este último le pidió capital para costear la película.

Como en otras películas de Welles, la vida del protagonista está siendo relatada desde el punto de vista de los admiradores que lo conocieron. Rodeado de adeptos que lo siguen como ganado por los pasillos, es capturado a través de los objetivos de varias cámaras. Hay cámaras por todas partes. Las salas están atestadas de conversaciones entre actores y directores (personalidades como Dennis Hopper, Claude Chabrol, entre otros), entrevistas a actrices famosas, fotos, micrófonos y grabaciones que describen el pasado de Hannaford y que suplen información sobre su trayectoria; una lectura que robustece la metáfora del poder omnipresente de una imagen cinematográfica que se muta y que, subjetivamente, se halla en todos los rincones de una irrealidad imaginaria con la que se identifica el espectador.

“El otro lado del viento” es el ojo de la cámara que, como las brisas potentes que nunca se separan de la arena, se mueve con la ligereza de una pluma por todos lados, capturando el tiempo y el espacio y condensándolo en una imagen irreal, en un espejo de la realidad en la que nadie existe fuera de la ilusión. Es más evidente con la película dentro de la película observada por los concurrentes de Hannaford, carente de diálogos, de estética vanguardista (posible sátira al cine de Antonioni) que trata sobre un motociclista (Robert Random) que persigue a una exótica mujer (Oja Kodar) sin lógica aparente. Como si se tratara de algún voyeur omnisciente, hay una subjetividad que se halla presente en casi todas las escenas de la película.

La película no puede ser más cercana a las experiencias que tuvo Welles cuando la filmaba, tal y como se muestra en They’ll Love Me When I’m Dead, el espléndido documental de Morgan Neville sobre la accidentada filmación. Supone un autorretrato ficticio de Welles en la etapa conclusiva de su carrera cuando fue traicionado por la industria de Hollywood y por colegas que se negaron a apoyarlo, como si estuviera condenado a repetir los hechos reales en la problemática película que rodaba. La mirada formal que ofrece es íntima, radical, alocada. Su crítica ácida del sistema hollywoodense de ese período se contrapone con un tratamiento estilístico que resulta innovador para la época en que fue filmada. Posiblemente, nunca sepamos cómo hubiese sido la película si Welles la completara cuando estaba vivo, pero, por lo menos, tenemos una idea cercana a la visión que tenía en mente. Es el testamento final de un iconoclasta del cine.

Streaming en:

Ficha técnica
Año: 2018
Duración: 2 hr 02 min
País: Estados Unidos
Director: Orson Welles
Música: Michel Legrand
Fotografía: Gary Graver
Reparto: John Huston, Peter Bogdanovich, Oja Kodar, Robert Random
Calificación: 7/10