La nueva película de Superman es reboot fallido de James Gunn que decepciona con su narrativa caótica y tono desbalanceado.

En Superman, James Gunn asume la responsabilidad de intentar revitalizar la franquicia de superhéroes de DC y establecer la agenda para el Universo Cinematográfico de DC (DCU) que apunta a una oferta más ligera que rivalice con la competencia de Marvel. Hasta donde sé, su desarrollo se puso en marcha cuando los ejecutivos de Warner Bros., decepcionados con los resultados problemáticos que estaba teniendo el Universo Extendido de DC, decidieron cambiar los planes para ofrecer un reinicio del famoso superhéroe en la gran pantalla, luego de que el propio Gunn se convirtiera en el codirector ejecutivo de DC Studios junto con el productor Peter Safran. Gunn escribió el guión, inspirado en el cómic All-Star Superman de Grant Morrison y Frank Quitely. Y tuvo como título Superman: Legacy, aunque luego lo cambiaría por razones de marketing más que obvias. 

Me inclino a pensar que Gunn, en su afán de tratar de aportar algo de originalidad a la historia de origen de Superman que es de dominio público, busca el espectáculo prefabricado de superhéroes sobre la base de una premisa que no se haya visto antes al contar con un elenco conformado por David Corenswet, Rachel Brosnahan y Nicholas Hoult. Sin embargo, las dos horas que tiene de metraje me inducen, asimismo, a razonar lo necesario como para saber que su reinvención del personaje se tambalea en más de una ocasión porque, francamente, es un reboot aburrido de Superman, que frecuenta lugares sobrecargados y se estrella antes de volar con su trama predecible sobre alienígenas ilegales y noticias falsas, permaneciendo, casi siempre, en una zona de confort que pierde cohesión con el tono inconsistente y los personajes acartonados que aparecen de la nada para ayudar a salvar el día. 

El argumento, ubicado en un universo alternativo en el que los metahumanos han existido durante 300 años en la Tierra, presenta un mundo donde Superman (David Corenswet), es un superviviente kryptoniano que ya es una figura establecida por los ciudadanos de Metrópolis que lo respetan por rescatar sus vidas de las calamidades, mientras intenta conciliar su existencia de "inmigrante" alienígena con la cultura humana, poco antes de ser un periodista respetado del Daily Planet que lleva el nombre de Clark Kent y tiene una relación amorosa con la reportera Lois Lane (Rachel Brosnahan), la única mujer que conoce su identidad secreta además de sus padres en Smallville. La trama principal, en gran medida, gira en torno a la intervención de Superman en un conflicto ficticio entre Boravia y Jarhanpur (en el que impide la invasión de un país gobernado por un dictador títere para dominar la franja de otro país ocupado por gente pobre que necesita ayuda humanitaria), una decisión que desencadena controversia en los círculos de la burocracia militar estadounidense y, entre otras cosas, lo pone en la mira de Lex Luthor (Nicholas Hoult), el multimillonario megalómano de LuthorCorp que lo odia por tener la fuerza para hacerlo todo y que utiliza todo su poder tecnológico para poner fin a su imagen heroica en los medios de comunicación. 

En términos generales, esta narrativa tiene un arranque que me llama la atención, en principio, porque establece las fórmulas genéricas de los orígenes de Superman con unos golpes de efecto que, hasta cierto punto, modifican el orden de los eventos de su pasado en Krypton para proporcionar un marco de referencia distinto para las raíces del conflicto que surgen cuando este interviene en los asuntos de la geopolítica internacional, problemas personales y difamación mediática. La decisión de Gunn saltarse una porción del génesis de Superman para contarla desde el relato no iconógeno es comprensible dada la noción general que tiene el público sobre el personaje. 

El problema fundamental, no obstante, es que la estructura narrativa luce caótica y desordenada al presentar, de manera apresurada, unas cuantas subtramas que se reparten entre el ejercicio de los periodistas que buscan la primicia inducidos por Lois; la misión de Superman para socorrer a la gente en peligro; las estrategias calculadas de Luthor para debilitar a Superman con su ejército de supersoldados y tecnología avanzada; la llegada del trío de superhéroes corporativos llamado "Justice Gang" para detener a un monstruo gigantesco; las travesuras del superperro Krypto para asistir a Superman en los momentos de crisis. Todo se reduce a un desbarajuste de tonos que oscila entre el melodrama cursi, los combates sosos en medio de la destrucción de la ciudad y las secuencias absurdas que rayan en lo paródico con un sentido de humor que casi no se siente. El guión de Gunn parece incapaz de resistir la tentación de incluir cada idea que se le ocurre. Salta de una situación rebuscada de heroicidad a otra sin dar tiempo para que las ideas se cohesionen o que los personajes se desarrollen adecuadamente, como si hubiera intentado condensar una multitud de guiños referenciales de Superman en un metraje de poco más de dos horas.

El refrito de obviedades se extiende al desarrollo de los personajes. Gunn arroja unos cuantos diálogos para añadirle sustento a las motivaciones de los personajes, pero, en general, solo los mantiene como estereotipos superficiales que estiran inútilmente el barullo con sus descripciones, además de que rebaja sus acciones a una serie de situaciones rutinarias que nunca escapa del epicentro estacionario de la acción a plena luz del día y la dinámica grupal que incluso llega a anular la individualidad de Superman como superhéroe. Hay ciertos facilismos que impiden colocar algunas dimensiones sobre un Superman que, por lo regular, es mostrado como un hombre vulnerable y honesto que emplea sus poderes para proteger a los indefensos en una sociedad prejuiciosa que es fácilmente manipulada por las élites corrompidas, aunque casi siempre depende de los demás y recibe la ayuda de personajes secundarios, como si no pudiera valerse por sí mismo para resolver un conflicto que da muchas vueltas por la megalomanía de un antagonista estereotipado como Luthor.

Este defecto tiene como consecuencia, primero, una sobrecarga de personajes artificiales que contribuye a que la película esté más interesada en preparar futuras entregas del DCU. Los personajes secundarios, como la "Justice Gang" (Green Lantern, Hawkgirl y el interesante Mr. Terrific) y el perro Krypto, estorban en los objetivos de Superman y son presentados como un alivio cómico excesivo, bajo un desarrollo convencional que sirve, más bien, para colocarlos como guiños de los cómics y como figuras de relleno que desvían los temas centrales. Y, segundo, una ausencia de coherencia interna que, lejos de la acción aparente, no añade sustancia a las reflexiones sociales sobre la inmigración, la bondad humana y la ética del periodismo frente a la desinformación de las fake news, quedando eclipsadas por las peripecias de la trama y la comedia forzada. Su discurso de carácter progresista es, a la vez, demasiado maniqueo demonizando el capitalismo y la avaricia como causa hipotética del intervencionismo. 

A pesar de la escritura deficiente, algunas de las actuaciones del reparto me resultan un poco competentes describiendo el asunto del nuevo Superman. Corenswet ofrece una interpretación decente como Clark Kent/Superman, aportando ligereza y un toque de vulnerabilidad física que contrasta con la seriedad de Henry Cavill una vez que se pone el traje icónico para ser, desde los cielos, ese símbolo de la esperanza que persigue la justicia a través del altruismo. Sin embargo, tengo la sensación de que el guión no le da suficiente material para profundizar en la dualidad de Clark y Superman, dejando al personaje atrapado en un abanico de secuencias de acción y diálogos expositivos que lo muestran, a menudo, como un superhéroe débil que necesita de los otros para fortalecerse. Brosnahan, como Lois Lane, ejerce el rol de una reportera inquisitiva y desconfiada que, además de funcionar como interés romántico de Superman con cierta química, permanece anclada al cliché de la feminista empoderada que se sale con la suya al adoptar posturas desafiantes que son pretenciosas. Hoult, por otro lado, se roba todas sus escenas al interpretar a Lex Luthor como un villano implacable, ególatra, virulento, calculador, obsesionado con ser reconocido por su genio científico, que fija su objetivo en destruir a Superman con manipulación mediática para justificar su plan de instaurar una utopía tecnológica en un país desolado.  

A diferencia de las interacciones anteriores del personaje en el DCEU, Gunn quita cualquier rastro de oscuridad para mostrarlo con un enfoque más cálido y familiar. Su versión de Superman, por la parte visual, es algo competente con el diseño de vestuario, el uso de los colores vibrantes y la dirección de arte que recrea la ciudad de Metrópolis en las panorámicas de algunos escenarios, preocupada por capturar la estética de los cómics. Sin embargo, las secuencias de acción se sienten torpes y derivativas por la dependencia excesiva de CGI, que no les permite escapar de lo genérico. La banda sonora aceptable, que incorpora fragmentos del icónico tema de John Williams, apenas se integra para arrojar alguna experiencia auditiva más allá de las melodías con aroma a nostalgia. 

Todo esto tiene como resultado que este reboot de Superman se sienta como un paso en falso para iniciar la primera fase del DCU y sospecho, en efecto, que ni siquiera está a la altura de Superman regresa (Singer, 2006) o de El hombre de acero (Snyder, 2013) para capturar la esencia del héroe o justificar su estreno. Evidentemente, le falta alguna fórmula para ser emocionante. La insistencia de Gunn por retratar a Superman como un emblema de bondad en un mundo desinformado que piensa que los valores morales son anticuados termina, a mi juicio, como la superficie plana de un papel de periódico arrojado en la acera. Su revoltijo de conceptos, que habla hasta de agujeros negros y de universos alternativos, hace que su película sea aburrida, sin gancho ni ritmo, durante más de dos horas en las que Superman suele irse de vacaciones para que los héroes que nadie pidió lleguen de refuerzos para trabajar en equipo y rescatarlo a él. Merece crédito por intentar algo diferente en un panorama donde los superhéroes necesitan reinventarse para seguir siendo relevantes, alejándose del matiz sombrío de las predecesoras, pero, en última instancia, su visión de Superman es demasiado blanda y olvidable como para mantener una impresión duradera. 

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Ficha técnica

Título original: Superman

Año: 2025

Duración: 2 hr. 09 min.
País: Estados Unidos
Director: James Gunn

Guion: James Gunn

Música: John Murphy, Dave Fleming
Fotografía: Henry Braham
Reparto: David Corenswet, Rachel Brosnahan, Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Isabela Merced, Nathan Fillion, Edi Gathegi, Skyler Gisondo
Calificación: 5/10

Tráiler de Superman

La muerte de vacaciones me parece una película pre-Code de Mitchell Leisen que, en algunos episodios fugaces, contiene una premisa algo original, basada en la obra italiana de Alberto Casella que, más adelante, fue adaptada al inglés para Broadway por Walter Ferris. Como melodrama se sustenta, en cierta medida, por una actuación notable de Fredric March como la Muerte vestida de aristócrata, pero, por desgracia, encuentro que su narrativa se pierde entre las conversaciones superfluas y los escenarios opulentos, sin que haya nunca una escena que amplifique el espectro emocional de la historia que trata de narrar con tono irónico. Su argumento se ambienta en medio de una celebración de alta sociedad y sigue a la Muerte, una entidad de un espacio metafísico que adopta la forma humana de un enigmático noble llamado Príncipe Sirki antes de decidir, en medio de su rutina, tomar un descanso de sus labores para experimentar la vida y comprender por qué los mortales temen su destino inevitable, durante tres días en los que es invitado a la mansión de un duque en la que se enamora de la bella y joven Grazia. En general, este relato tiene un arranque que despierta mi interés cuando mezcla el drama romántico con la comedia fantástica para mostrar, a través de una densa capa de ironía, el dilema ético de la Muerte cuando es testigo del amor, el sacrificio, los valores y la felicidad que se encuentra en el terreno de los vivos que viven entre la opulencia. Este concepto filosófico de la Muerte que explora lo humano promete una reflexión profunda, arraigado en principio sobre el contexto de las clases sociales norteamericanas afectadas por las secuelas de la Gran Depresión —se entiende que la Muerte aquí simboliza de alguna manera aquellas personas ricas que lo perdieron todo hasta "morir"—, abandona su profundidad porque, dicho sea de paso, se conforma con respuestas simplistas que nunca van más allá de la superficialidad de las escenas. El otro problema que surge, además de su síntesis discursiva, es que los personajes carecen de desarrollo porque permanecen estacionados sobre los recovecos descriptivos del guión que los mantiene, entre otras cosas, en una serie de situaciones predecibles que se reparten entre las discusiones a puerta cerrada sobre los caprichos mundanos de la élite aristocrática y el romance forzado del condecorado caballero mortecino con la dama tierna de sociedad. Los diálogos tienen vocación por lo poético, pero tienden a ser grandilocuentes y artificiales, reflejando las limitaciones de una adaptación que no logra trascender su origen teatral. De igual forma, no veo que haya química entre Sirki y Grazia. Pero reconozco, a pesar de esto, que la interpretación de March, como es habitual durante su etapa del cine de los años 30, ofrece algunas escenas de mucha autenticidad por su solemnidad contenida y el histrionismo ligero. A través de la mirada, la voz y los gestos de su rostro, March demuestra su talento indiscutible para dotar de humanidad a un personaje tan abstracto como la Muerte, con una presencia que simplemente eclipsa a todos los otros integrantes del reparto. Evelyn Venable, en particular, no aporta nada para que Grazia sea más que un accesorio cosmético. Y el resto del elenco queda atrapado en personajes secundarios que funcionan solo como arquetipos para rellenar escenas. La dirección de Leisen, eso sí, se destaca más por algunos de los elementos estéticos que utiliza para dimensionar los caprichos de los personajes a través del diseño de vestuario elegante, los decorados ampulosos, la elipsis y, ante todo, el uso de la sobreimpresión que acentúa los efectos especiales sobre el halo fantasmagórico de la sombra de la Muerte en un par de planos. La música, de igual modo, se integra adecuadamente en los instantes melodramáticos de mayor obviedad. Nada esto, sin embargo, evita que su melodrama se desplome con su enfoque teatral excesivo y la ausencia de emoción necesaria para dejar una impresión duradera.

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Ficha técnica
Título original: Death Takes a Holiday

Año: 1934
Duración: 1 hr. 20 min.
País: Estados Unidos
Director: Mitchell Leisen
Guion: Maxwell Anderson, Gladys Lehman, Walter Ferris

Música: Bernhard Kaun, John Leipold, Milan Roder
Fotografía: Charles Lang
Reparto: Fredric March, Evelyn Venable, Guy Standing, Katharine Alexander, Gail Patrick

Calificación: 6/10

Buscando el catálogo de estrenos de Netflix me topo con lo que ofrece La vieja guardia 2, una película de la desconocida Victoria Mahoney que sigue las aventuras de un grupo de superhéroes inmortales basados en la novela gráfica de Greg Rucka y Leandro Fernández. La experiencia que extraigo por verla durante más de hora y media me dejan lo suficientemente anestesiado como para saber, dicho sea de paso, que es una de las peores que en visto en este año, siendo incluso muchísimo peor que La vieja guardia (Prince-Bythewood, 2020). Como secuela busca expandir el universo de mercenarios inmortales liderados por Charlize Theron, pero me resulta un ejercicio enormemente aburrido en el que predominan, en cierta medida, los clichés y las secuencias de acción convencionales que se olvidan cuando acaban los créditos. La trama retoma a Andy y su equipo de inmortales enfrentándose a nuevas amenazas, mientras ella se adapta a la lucha después de perder su inmortalidad y, además, trata de frenar el plan ambicioso de Discord, una poderosa inmortal milenaria que emerge para amenazar al mundo junto a Quynh, su antigua compañera inmortal que fue sellada en una doncella de hierro y enterrada bajo el agua durante siglos. En general, la narrativa se enmarca bajo los estándares de las fórmulas básicas del género, donde la heroína y su grupo planifican sus estrategias de combate antes de realizar las misiones peligrosas en el calendario agendado por la villana estereotipada. El problema central, sin embargo, es que todos los personajes carecen de desarrollo porque solo cumplen una función descriptiva del guión y, por lo regular, permanecen estacionados un largo rato en un abanico de situaciones predecibles que reduce sus acciones, entre otras cosas, a diálogos expositivos a puerta cerrada en los que se suele hablar más de lo necesario para explicar el barullo de la inmortalidad, poco antes de iniciar la acción masturbatoria que se resuelve sobre facilismos. Estos personajes huecos no son más que figuras estereotipadas, arregladas sobre las tendencias progresistas de Netflix que moldea cada una de sus características sobre la intersección woke del sexo, raza y género; donde las feministas presuntamente empoderadas tienen el control de todo, los hombres dependen del asiático inteligente y la afroamericana es la elegida del asunto de inmortalidad por cuestiones obvias; siempre sobre la base del trabajo en equipo para justificar su negación ante cualquier elemento disruptivo que no sea colectivista. De esta manera, permanezco en completo estado de abulia al ser testigo de la misión personal de la guerrera temeraria para enfrentarse con hacha en mano a la enemiga que una vez fue su querida amiga; las discusiones del sabio chino junto a los demás integrantes del grupo para intentar resolver el conflicto sobre sus motivaciones mecánicas; la persecución de la malvada mercenaria que busca recuperar la inmortalidad que perdió para satisfacer su megalomanía individualista. Todo me luce demasiado apresurado en su epicentro de tiroteos, peleas cuerpo a cuerpo y unas secuencias de acción que, en más de una ocasión, se sienten genéricas y sin gancho, como un producto hecho a destiempo que solo refleja que en el estudio no había mucho presupuesto y optaron, a su vez, en unas coreografías que parecen ejecutadas por aficionados de las artes marciales. Del reparto estelar solo consigo ver algo de compromiso físico en el rol de protagónico de Theron, a pesar de que no es suficiente para sostener una historia que no le da espacio para desarrollarse. El resto de los secundarios, que incluye a Uma Thurman y Matthias Schoenaerts, queda relegado a momentos superficiales dentro de un limitado tiempo de pantalla. Todos estos inconvenientes me dan la sensación de que es una secuela incompleta que, como bodrio, no justifica su existencia en su duración de menos de 100 minutos, como si estuviera filmada para mantener contentos a unos suscriptores que, en última instancia, se entretienen con cualquier sosería de la plataforma de streaming.

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Título original: The Old Guard 2

Año: 2025
Duración: 1 hr. 45 min.
País: Estados Unidos
Director: Victoria Mahoney
Guion: Greg Rucka, Sarah Walker

Música: Ruth Barrett, Steffen Thum
Fotografía: Barry Ackroyd
Reparto: Charlize Theron, Uma Thurman, Henry Golding, Chiwetel Ejiofor, KiKi Layne, Matthias Schoenaerts

Calificación: 2/10

Luego de un par de años sin acercarme al cine de Carl Theodor Dreyer, procedo a seguir escudriñando su filmografía temprana con el visionado de El Presidente, una película muda poco conocida de su catálogo que supone su ópera prima como director. Hasta donde sé, el material sirve como una adaptación de la novela de Karl Emil Franzos y, además, en su versión restaurada me permite conocer los rastros característicos de su estética que más adelante cobraría mayor preponderancia en sus películas. En cierta medida, Dreyer encuadra aquí un melodrama mudo que refleja sus preocupaciones estéticas tempranas, pero, por desgracia, casi no le pone pujanza a la historia sobre dilemas morales, clases sociales y sacrificios paternales. Su argumento, ubicado 30 años después de una tragedia familiar de tres generaciones, sigue la existencia de Karl Victor von Sendlingen, un aristócrata y juez danés enfrentado al dilema moral de la condena de su hija ilegítima, Victorine, acusada de infanticidio durante un juicio, en un contexto de estrictas normas sociales y promesas familiares en un pequeño pueblo a principios del siglo XX. En términos generales, esta narrativa tiene un preámbulo interesante que se presenta, quizás, por su estructura de escenas retrospectivas que, de algún modo, funcionan para subrayar el conflicto de clases que hilvana las motivaciones de los personajes. En este sentido, se muestra la preocupación de Karl que, atormentado por la culpa de no poder romper el juramento de su familia que le impedía casarse con una plebeya que amaba, busca salvar a su hija ilegítima de ser condenada a muerte; las desdichas de Victorine cuando sufre por el crimen luego de quedar embarazada de un aristócrata que no quería casarse con ella poco antes de abortar; la preparación de la huida en secreto del presidente del tribunal para sacar a su hija de la prisión tras la negativa de petición de clemencia. El problema fundamental, sin embargo, es que la trama se apresura por facilismos y los personajes, a menudo, carecen de desarrollo psicológico más allá de las descripciones que condicionan sus acciones bajo un marco de melodrama irónico y situaciones predecibles. Aunque la actuación de Halvard Hoff como juez es algo competente a nivel expresivo, el resto del reparto cae en el histrionismo. Estas limitaciones imposibilitan que yo sienta algo por el sufrimiento de los personajes porque, entre otras cosas, solo son utilizados por Dreyer como figuras teatrales para comunicar un discurso sobre la injusticia, el prejuicio social y el sacrifico paternal, entendido como la virtud de un hombre honesto que, motivado por el deber paternofilial y los traumas pasados, rechaza su honor como juez para rescatar a la hija previamente abandonada que ha sido víctima de abusos y engaños. Esta síntesis discursiva manifiesta las experiencias personales del propio Dreyer, quien nació como hijo ilegítimo, producto de la relación prohibida entre un terrateniente burgués casado y una criada escandinava que acabó suicidándose al ingerir azufre. Dreyer, quien fue adoptado por otra familia que le dio su apellido, se enteró del destino de su madre cuando era adolescente y es posible que esto, de hecho, lo haya impulsado a escribir el guión. De esta manera, concibe algunos paralelismos que le permiten comparar su vida con la ficción al examinar las injusticias morales que puede haber en la institución de la magistratura, las clases y el matrimonio. Lo más importante, por otro lado, son las propiedades formales que Dreyer adopta sobre el encuadre para sintetizar el infortunio de sus personajes a través de la elipsis, el vestuario de época, el plano simbólico, los escenarios teatrales, el primer plano, el uso innovador de flashbacks, el manejo del travelling y los puntos de iluminación que crean una atmósfera sobria que refuerza el tono melancólico del drama. Estos elementos, al menos, dejan entrever los destellos del genio técnico que definiría su carrera, pero, desafortunadamente, no son suficientes para subsanar una falta clara de profundidad emocional.

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Título original: The President (Præsidenten)

Año: 1919
Duración: 1 hr. 24 min.
País: Dinamarca
Director: Carl Theodor Dreyer
Guion: Carl Theodor Dreyer

Música: N/A (muda)
Fotografía: Hans Vågø 
Reparto: Halvard Hoff, Elith Pio, Carl Meyer, Jacoba Jessen, Axel Madsen, Jacoba Jessen, Olga Raphaël Linden

Calificación: 6/10

Conoce 5 accesorios esenciales para crear un cine en casa y ver las películas con tu familia o en solitario.

No hay nada que me emocione más que una buena noche de cine con mi familia o en la completa soledad, y con el tiempo he aprendido que tener el equipo adecuado puede convertir tu sala en un cine de verdad. 

Después de muchas noches de prueba y error, aquí te comparto mis cinco imprescindibles para que montes un cine en casa que haga que todos quieran repetir esas noches llenas de risas, emociones y palomitas en un espacio acomodado, cercano a la experiencia de una sala de cine real.

1. Elige tu pantalla ideal: TV o proyector

Cuando pienso en cine, lo primero que se me viene a la mente es una gran pantalla. Por eso, mi primera recomendación es invertir en una buena TV o un proyector. Hoy la opciones abundan en sitios como Best Buy, Amazon o en eBay. Personalmente, me inclino por un proyector porque proyectar una película en una pared o pantalla grande me hace sentir como en una sala de cine. Modelos con resolución 4K y buen brillo, como los de Epson o BenQ, me han dado imágenes nítidas y colores vivos, incluso con algo de luz en la sala. 

Si prefieres una TV, una OLED o QLED de 55 pulgadas o más es mi elección para una experiencia visual que se acerque aunque sea un poco la sala de cine real.

2. Sumérgete con un sistema de sonido envolvente

El sonido es la mitad de la experiencia para mí, y estoy seguro que para cualquiera en este negocio de la cinefilia. Un sistema de sonido envolvente con altavoces satélite y un subwoofer potente hace que sienta cada explosión y cada nota de la banda sonora. 

He probado sistemas 5.1 de marcas como Sony y Samsung, y son una maravilla para sumergirte en la película. Si el espacio o el presupuesto no dan para tanto, una barra de sonido con Dolby Atmos, como las de Vizio, es mi alternativa favorita. Asegúrate de que sea fácil de conectar a tu pantalla con Bluetooth.

3. Prepara palomitas como en el cine (opcional)

Si hay algo que siempre falta en mis noches de cine son las palomitas, y es porque no me gustan, aunque a veces hago el sacrificio de comprar algunas en el supermercado. Pero la mayoría de los cinéfilos las consumen en una sala de cine convencional o hasta en su casa. 

Para lograr esto, sugiero que compres una máquina de palomitas de Nostalgia y, créeme, ese aroma a maíz recién hecho es pura magia. Es súper fácil de usar, y los tuyos te pueden ayudar a prepararlas. Puedo añadir mantequilla, sal o incluso un toque de caramelo para variar. Es un pequeño detalle que hace que todos en casa se emocionen antes de que empiece la película. Pero no olvides los tazones para compartir.

4. Haz tu sala más acogedora con cojines y mantas

Para mí, estar cómodo es clave para disfrutar de una película entera como un vago flotando en una nube. Por eso, siempre tengo a mano cojines suaves y mantas calentitas. El aire acondicionado debe estar a mil en verano. Los cojines de espuma viscoelástica son mis favoritos para apoyar la espalda, y los pufs son un éxito con los niños, aunque los sofás para cine también hacen la diferencia. 

Las mantas de felpa me mantienen abrigado en esas noches frías de aire acondicionado, y suelo elegir diseños con colores oscuros que le dan un toque especial a la sala. Asegúrate de tener suficientes para que todos en la familia tengan su rincón acogedor.

5. Conecta tus historias favoritas con un dispositivo de streaming

No puedo imaginar mi cine en casa sin un dispositivo de streaming como el Amazon Fire TV Stick. Con él, tengo Netflix, Disney+, Amazon Prime Video y hasta sitios corsarios al alcance de un clic. Es súper fácil de usar, y me encanta que se puede crear perfiles para que los niños vean sus películas favoritas y los padres las suyas. El control por voz es un salvavidas cuando alguien quiere buscar su película favorita. ¡Es como tener un cine infinito en casa!

Con estas cinco cosas, mis noches de cine en casa se han convertido en el momento favorito de la semana para mi y hasta para toda mi familia. Desde la pantalla hasta las palomitas, cada detalle hace que estas veladas sean especiales. No sirve de nada limitarse a tener una TV con un sonido genérico. Montar un cine en casa es vital para ampliar la experiencia de elegir tus películas y a disfrutarlas. 

Si te ha gustado esto, también te sugiero leer mi artículo de Los 5 mejores servicios de streaming para ver películas en familia. 

En La leyenda de Ochi, la ópera prima de Isaiah Saxon, encuentro las señas particulares de aquella fórmula spielbergiana sobre niños ordinarios que descubren cosas extraordinarias, bajo los marcos ficcionales del cine fantástico que se supone que es para toda la familia. Pero durante una hora y media permanezco sentado en mi asiento cuestionando, en más de una ocasión, las decisiones creativas que hay detrás de su guión. A pesar del atractivo visual, las buenas intenciones de su premisa se pierde en una narrativa aburrida y unos personajes huecos que no le añaden sustancia a la fábula de aventura sobre xenofobia, identidad cultural y dilemas familiares. Su argumento se ubica en un pueblo remoto de la ficticia isla de Carpatia y sigue a Yuri, una joven que ha sido criada por su autoritario padre para ser una cazadora, junto a otros niños, de unas criaturas que habitan los bosques llamadas Ochi; pero cuya vida cambia radicalmente cuando rescata a un bebé Ochi herido y emprende un largo viaje para devolverlo a su hogar. En general, esta narrativa se desarrolla sobre las bases del drama familiar, el cine de aventuras y la fantasía, donde la joven protagonista escapa de su casa para descubrir un mundo desconocido más allá de las fronteras establecidas. En este sentido, se muestra la travesía de Yuri cuando carga al pequeño Ochi en su mochila mientras se enfrenta a los peligros de la naturaleza inquieta y los animales salvajes; la misión del padre desesperado con armadura y hacha en mano que sale con su ejército de chavales armados para buscar a su hija perdida; la llegada de la madre de Yuri que vive como una ermitaña en una remota cabaña ubicada en las montañas. Sin embargo, todos los personajes carecen de desarrollo porque solo cumplen una función descriptiva para impulsar la trama inútilmente y, por lo regular, sus acciones caen en un terreno accidentado en el que casi no se sabe nada de ellos, además de que suelen atravesar una serie de situaciones predecibles a las que le falta cohesión. Las motivaciones de los personajes secundarios son poco exploradas, quedando solo como meros accesorios narrativos. Los diálogos expositivos tienden a sobreexplicar las obviedades del conflicto familiar. Y los momentos clave, como la conexión entre Yuri y el Ochi, se manifiestan de una forma apresurada que no da tiempo a empatizar con su amistad. Todo permanece estancado entre las persecuciones en el bosque, las conversaciones al aire libre y los instantes de reconciliación. Como es habitual en las producciones de A24, Saxon acomoda los conflictos de los personajes para comunicar, desde la superficie, un comentario sobre la xenofobia, la familia y los prejuicios sociales, entendido como la aventura de una adolescente que alcanza la mayoría de edad al rechazar las órdenes establecidas por el orden patriarcal para abandonar el prejuicio y conquistar los miedos identitarios que le impiden "aprender otro idioma". A modo subtextual, la figura del Ochi metaforiza la condición del inmigrante que intenta sobrevivir a un lugar hostil en el que no es bienvenido por las leyendas ancestrales contadas por los odiadores xenófobos. El problema de su discurso, no obstante, es que casi no tiene profundidad porque pide a gritos que se tome en serio su paranoia progresista sobre los inmigrantes ilegales. Saxon, por otra parte, se preocupa, por lo menos, de implementar algunas propiedades estéticas que le confieren autenticidad al extraño mundo de Carpatia a través del vestuario, el decorado de los escenarios, el primer plano, el uso de la iluminación y las panorámicas naturalistas que evocan atmósferas visualmente absorbentes en un par de planos. El diseño CGI de los Ochi también me resulta competente. Estos elementos integrados, junto a la banda sonora y la shakespeariana actuación de Willem Dafoe, son las únicas cosas a destacar porque, francamente, es una película aburrida, sin ritmo, que falla al intentar mimetizar el encanto de las fábulas fantásticas de los años 80.

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Título original: The Legend of Ochi

Año: 2025
Duración: 1 hr. 35 min.
País: Estados Unidos
Director: Isaiah Saxon
Guion: Isaiah Saxon

Música: David Longstreth
Fotografía: Evan Prosofsky
Reparto: Helena Zengel, Finn Wolfhard, Emily Watson, Willem Dafoe

Calificación: 5/10

En Parthenope, el director italiano Paolo Sorrentino recupera su poética de la juventud para escudriñar, supongo, la ligereza que se esconde detrás de la belleza. Por lo que sé, describió su material como una metáfora de aquella sirena de la mitología griega llamada Parténope, que más adelante dio nombre a una ciudad situada en Nápoles, Italia. Sin embargo, las dos largas horas que paso viendo sus escenas me hacen cuestionar, en más de una ocasión, si lo que trata de narrar es un anuncio comercial para una fragancia femenina, porque, en efecto, es lo que parece a simple vista. Desde la superficie, se muestra como un drama en el que Sorrentino, con su estética habitual, arroja un par de planos de elegancia mediterránea, pero, por desgracia, su narrativa es un vacuo canto de sirenas que parece una promoción pagada de Yves Saint Laurent, donde veo desperdiciado el talento y la beldad de esta actriz, desconocida para mí, llamada Celeste Dalla Porta. Su trama se ambienta en la citada ciudad de Nápoles a partir de los años 60 y relata la existencia de Parthenope, una mujer de enorme belleza que atrae la mirada de todos los hombres que la observan de lejos, incluyendo su hermano incestuosamente apegado a ella y el vecino que está obsesionado con poseerla; pero cuya forma de ver la vida va cambiando con el paso de los años, a medida que conoce a los hombres y, además, cursa la carrera de antropología a las órdenes de un profesor estricto al que desafía intelectualmente. En términos generales, la narrativa tiene un comienzo interesante al mostrar la cotidianidad de Parthenope cuando explora su feminidad para descubrirse a sí misma mientras sigue su propio camino individualista frente al mar. El problema fundamental, no obstante, es que todo el asunto se vuelve anodino porque el personaje de Parthenope carece de desarrollo más allá de las descripciones superfluas que justifican sus motivaciones y, por si fuera poco, sus acciones se reducen inútilmente a un abanico de situaciones rutinarias que se reparten entre las poses, los cigarrillos fumados y los diálogos a puerta cerrada sobre nimiedades mundanas. De esta manera, me quedo inmediatamente anestesiado por la falta de tacto dramático que hay en la travesía de Parthenope cuando se cruza con unos personajes secundarios —desde los amantes hasta los excéntricos habitantes— que, entre otras cosas, no aportan nada sustancial al conflicto central. Todo luce demasiado arreglado en su capa de banalidad. Y tengo la sospecha de que Sorrentino intenta retratarla de cierta manera para ofrecer un comentario sobre la feminidad, el deseo, la vejez y la mundanidad de la belleza, entendida como la búsqueda de libertad individual de una mujer frívola que, en su viaje de décadas, descubre el valor de ser independiente en una sociedad machista que la cosifica como una muñeca de porcelana con el paso del tiempo. En este sentido, la actuación de Dalla Porta es un poco decente al comunicar, con su mirada y la expresividad de su rostro, la melancolía de una mujer solitaria, inteligente, que emplea el poder de lo bello para emanciparse de los estereotipos femeninos, a pesar de que a veces parece una figura etérea sin profundidad que nunca logra trascender su simbolismo. A un ritmo letárgico, Sorrentino encuadra a Dalla Porta en una puesta en escena que, por lo menos, refleja sus preocupaciones estéticas a través del vestuario, la elipsis, los decorados opulentos, la iluminación, el primer plano, el encuadre móvil y un amplio sentido de armonía compositiva que se subraya en el uso  del plano panorámico que frecuentemente embellece las figuras casi manieristas que posan sobre los paisajes marinos del mar Mediterráneo. Este ejercicio de estilo de Sorrentino, ajustado sobre un tono erótico y surrealista, acentúa imágenes suntuosas y una banda sonora evocadora, pero, en resumen, no posee brío ni introspección. Queda, más bien, como una película plana, preocupada en admirarse a sí misma frente al espejo.

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Ficha técnica
Título original: Parthenope

Año: 2024
Duración: 2 hr. 17 min.
País: Italia
Director: Paolo Sorrentino
Guion: Umberto Contarello, Paolo Sorrentino

Música: Lele Marchitelli
Fotografía: Daria D'Antonio
Reparto: Celeste Dalla Porta, Gary Oldman, Stefania Sandrelli, Luisa Ranieri, Silvio Orlando

Calificación: 4/10