Supergirl es una película de Craig Gillespie a la que asisto, dicho sea de paso, para ver cómo continúa el universo de DC establecido bajo la supervisión de James Gunn desde Superman (2025) y cuya primera etapa, por lo que sé, lleva el título "Capítulo Uno: Dioses y Monstruos". Se dice, además, que adapta elementos de la serie de cómics Supergirl: Woman of Tomorrow, escrita por Tom King e ilustrada por Bilquis Evely. Pero los 107 minutos que paso absorbiendo sus imágenes me dejan con la sensación de que no sirve de nada que sea adaptada de historietas recientes porque, a decir verdad, es una película de superhéroes algo aburrida y superficial, a la que le falta algo de gancho para capitalizar su premisa interestelar de venganza y justicia. 

La trama sigue a Kara Zor-El, la prima de Superman que celebra su cumpleaños viajando por la galaxia con su perro Krypto para olvidar su trágico pasado, llevando una vida de alcoholismo y desorden, pero cuya rutina es interrumpida cuando Krypto es herido durante una confrontación con los piratas espaciales liderados por Krem y, además, se cruza con la joven Ruthye Marye Knoll, a la cual decide ayudar en su camino de venganza mientras trata de obtener la cura para salvar al cachorro. 

En general, la historia de origen se muestra sobre las fórmulas de la aventura espacial del cine fantástico de superhéroes, donde la superheroína debe superar obstáculos antes de asumir la responsabilidad con los superpoderes. 

Sin embargo, el guion estropea el desarrollo de la protagonista al conducir sus acciones por un abanico de situaciones predecibles que, por lo regular, alterna entre flashbacks y set-pieces caóticos sin lograr un ritmo equilibrado, perdiendo además la cohesión al tratar de narrar las subtramas de unos personajes secundarios que solo rellenan unas escenas repletas de gratuidad, clichés y diálogos expositivos. 

De esta manera, permanezco en un lapso de abulia al observar la travesía de Kara al colaborar con la jovencita asiática para saldar las cuentas con Krem; la malevolencia de Krem como el líder de unos bandidos que se dedican al tráfico de niñas; la misión de Lobo como el mercenario alienígena y cazarrecompensas de la moto que busca a un bandido; los recuerdos de Kara como una joven criada en un trozo del planeta destruido Krypton que vio morir a todos a su alrededor; los combates iniciados por Supergirl cuando obtiene poderes de los soles amarillos antes de vestir el icónico traje y volar por los cielos. 

Las secuencias de acción se vuelven repetitivas cuando intentan impulsar el oscuro conflicto entre persecuciones y peleas. El humor no me provoca ninguna risa. No hay inspiración ni heroismo. Y lo peor de todo es que la narrativa se siente didáctica porque, entre otras cosas, conduce a la protagonista por las rutas discursivas, de ese progresismo colgado en cada escena para montar un comentario sobre la pérdida, la resiliencia y la madurez de una mujer, con las pretensiones típicas del empoderamiento femenino. 

A pesar de estas contrariedades, Milly Alcock entrega una actuación decente como Superchica al expresar la vulnerabilidad y la determinación de una mujer rota afectada por el pasado que busca superar el trauma ayudando a los demás, aunque su esfuerzo se ve limitado por un guion que casi no la aprovecha. Matthias Schoenaerts está simplemente olvidable como el villano genérico. Y Jason Momoa, a pesar del maquillaje, me resulta pretencioso como Lobo. 

Técnicamente, la dirección de Gillespie deposita sus minúsculas virtudes en el diseño de vestuario y los efectos visuales que crean las atmósferas interplanetarias, aunque a veces el CGI del que dispone se ve algo mediocre, como si los escenarios hubieran sido generados por IA. Gillespie también permite que la banda sonora de Claudia Sarne se escuche en algunas escenas. Pero, desafortunadamente, ninguna de estas decisiones creativas evitan que esta película suya parezca un producto descartable, redundante y sin sorpresa, que no logra justificar su lanzamiento más allá de expandir un universo en construcción.

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Ficha técnica
Título original: Supergirl

Año: 2026
Duración: 1 hr 47 min
País: Estados Unidos
Director: Craig Gillespie
Guion: Oren Uziel, Ana Nogueira
Música: Claudia Sarne
Fotografía: Rob Hardy
Reparto: Milly Alcock, Matthias Schoenaerts, Eve Ridley, Jason Momoa, David Krumholtz, David Corenswet
Calificación: 5/10

Toy Story 5 es una película de Andrew Stanton que representa, en cierta medida, la nueva entrega en la popular franquicia de Pixar que intenta continuar las aventuras de los juguetes que alguna vez fueron memorables en Toy Story (1995), Toy Story 2 (1999) y Toy Story 3 (2010) cuando todavía John Lasseter no había sido despedido por la cultura de la cancelación. Lo que me encuentro en la hora y media que tiene de metraje me obliga a razonar lo necesario como para saber que desde Toy Story 4 (2019) ya no hay nada que se pueda esperar de la saga porque, a decir verdad, me parece una secuela aburrida y completamente innecesaria, que subraya en efecto los límites creativos de una franquicia animada que nunca debió pasar de la tercera parte. 

La trama sigue esta vez a Jessie, quien ejerce su liderazgo por encima de Buzz al haber sido nombrada la nueva guardiana de la habitación de Bonnie desde la partida de Woody, pero cuya motivación se ve alterada cuando la pequeña Bonnie se olvida de ella y de todos sus juguetes cuando sus padres le compran una tableta con forma de rana llamada Lilypad con la esperanza de ayudarla a socializar con niñas de su edad, por lo que se dispone a recuperar el interés de ella para no repetir los mismos errores de su pasado. 

En términos generales, esta premisa propicia un arranque estructurado sobre las fórmulas de la franquicia, donde los juguetes se embarcan en una aventura que los lleva más allá de las habitaciones infantiles hacia un mundo exterior. 

El problema fundamental, sin embargo, es que el guion adolece de debilidades narrativas que se manifiestan en el escaso desarrollo de los personajes y opta, a menudo, por reciclar situaciones predecibles que pierden el rumbo por la pretensión de abordar múltiples conflictos artificiales que carecen de profundidad, reduciendo las acciones de personajes principales, como Woody o Buzz, a una falta de protagonismo que, en esta ocasión, es reemplazada por la insulsa Jessie. 

Por esta razón, no me queda más remedio que permanecer en completa indiferencia al ver el plan de Jessie para recuperar el cariño de Bonnie antes de perderse junto a Bullseye en la granja de su dueña original habitada por una familia nueva —compuesta por una niña llamada Blaze y sus padres—; la sensibilidad de Bonnie como una niña tímida adicta a su tableta que recibe burlas de sus compañeras; la colaboración de Jessie con los nuevos juguetes olvidados y un dispositivo para enseñar a ir al baño llamado Smarty Pants; la misión de Woody y Buzz para rastrear a Jessie con ayuda del ejército de Buzz; la tarea de Jessie para lograr que la niña Blaze se haga amiga de Bonnie. 

Las secuencias avanzan a un ritmo plomizo en el que se habla mucho y el humor se vuelve torpe. No hay ni siquiera diversión, gracia o sorpresa alguna. Los personajes icónicos aparecen aquí ridiculizados y emasculados, mientras los nuevos se presentan como arquetipos planos al servicio de un comentario bastante forzado sobre la amistad, el abandono y los efectos de la tecnología digital en el crecimiento infantil; pero ahora arreglado sobre esas modas progresistas de Disney que, como adoctrinamiento, enuncia de forma didáctica conceptos woke de diversidad, empoderamiento femenino y deconstrucción de roles tradicionales de género en el mundo de los juguetes. 

Las voces del doblaje, con el regreso de Tom Hanks y Tim Allen junto a Joan Cusack, ofrecen cierta familiaridad, pero incluso sus interpretaciones parecen cansadas ante un material que no les brinda oportunidades para lucirse. 

Técnicamente, la animación dirigida por Stanton mantiene el estándar visual de Pixar al renderizar, con texturas detalladas y colores vibrantes, los distintos escenarios del mundo de los juguetes. Pero, a fin de cuentas, su ejercicio de animación solo queda como un accesorio superficial de un producto olvidable que, como secuela, parece haber sucumbido a las presiones de la corrección ideológica que solo quiere destruir la inocencia de los niños. 

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Ficha técnica
Título original: Toy Story 5

Año: 2026
Duración: 1 hr 42 min
País: Estados Unidos
Director: Andrew Stanton
Guion: Andrew Stanton, McKenna Harris
Música: Randy Newman
Fotografía: Matt Aspbury, Jean-Claude Kalache
Reparto (voces): Joan Cusack, Tom Hanks, Tim Allen, Greta Lee, Conan O'Brien
Calificación: 5/10

Escape de Los Ángeles es una película de John Carpenter que supone, en cierta medida, una secuela de Escape de Nueva York (1981) que trae de regreso al icónico personaje de Snake Plissken que interpreta Kurt Russell. Se dice que Carpenter tardó más de una década en producirla porque se mostraba reacio a las secuelas, pero la insistencia de Russell finalmente lo convenció para filmarla. Esta anécdota me ha hace razonar lo suficiente como para saber que Carpenter debió guiarse de su intuición para no realizarla porque, francamente, me parece una secuela aburrida y particularmente cutre de la que ni siquiera Russell es capaz de escapar de los clichés, de una trama predecible que frecuenta demasiados lugares comunes en las típicas pretensiones de ciencia ficción de serie B del director. 

La trama, ambientada en un futuro alternativo de 2013 en el que Estados Unidos está gobernado por un presidente teocrático vitalicio y la ciudad de Los Ángeles se convierte en isla-prisión luego de un terremoto masivo —donde son deportados permanentemente todos los infractores de las leyes morales establecidas—, sigue a Plissken cuando es reclutado por órdenes del presidente estadounidense para recuperar en Los Ángeles el control remoto de un arma secreta robada por su propia hija para entregárselo a un terrorista revolucionario peruano conocido como Cuervo Jones, una misión que acepta además a cambio de que se le condone su inminente deportación y por la presión de un virus letal inyectado sobre su cuerpo que lo puede matar en menos de diez horas. 

En general, esta premisa está estructurada siguiendo las fórmulas establecidas por la antecesora, donde Snake es reclutado por un gobierno autoritario para infiltrarse en una zona hostil con el fin de recuperar un dispositivo de control que, por lo regular, funciona como MacGuffin para impulsar el conflicto. 

Sin embargo, el guion no se toma la molestia de añadir algo de sustancia al desarrollo de los personajes lejos de las motivaciones insulsas que describen el asunto, a menudo reduciendo las acciones a un abanico de situaciones predecibles que se resuelven de forma cursi entre tiros, explosiones y facilismos antes de las pausas para diálogos cutres de una línea. 

En este sentido, la película me obliga permanecer bajo una indiferencia que se prolonga con la misión de Plissken al atravesar el páramo postapocalíptico de Los Ángeles para enfrentar con pistola en mano a matones; los planes del comunista Cuervo como el líder revolucionario de Sendero Luminoso para destruir el imperialismo norteamericano con una invasión de naciones del tercer mundo; la colaboración de Plissken con un estafador llamado Eddie para obtener información sobre Cuervo; la ayuda que recibe Plissken de un surfista que aparece antes de un maremoto; la estrategia de Plissken para infiltrar la guarida de Cuervo al colaborar con una mujer transgénero y antigua socia criminal. 

Hay hologramas, capturas, persecuciones, tiroteos, revolucionarios, caos y un sin fin de gratuidades que desafía toda lógica posible del género, sufriendo un tono inconsistente que pierde la cohesión en cada subtrama por esa necesidad de intentar combinar acción exagerada con humor negro bajo una inercia narrativa que, dicho sea de paso, estira las secuencias de una manera repetitiva para acentuar un comentario social algo maniqueo sobre la desigualdad y el autoritarismo. 

Russell hace lo que puede al usar su voz y su destreza física para interpretar de nuevo a Snake Plissken como el antihéroe lacónico y carismático del parche, aunque se reduce aquí a una caricatura que repite one-liners sin evolución alguna. 

A pesar de estos inconvenientes, Carpenter deposita algo de autenticidad en el diseño de vestuario y los escenarios que captan la atmósfera distópica del relato oscuro, además de permitir que se escuche la banda sonora que él mismo compone junto a Shirley Walker. Nada de esto, sin embargo, evita que su secuela tenga un aspecto descuidado y sumamente genérico, sobre todo por unos efectos visuales en CGI bastante pobres para su época que solo reflejan las limitaciones presupuestarias. 

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Ficha técnica
Título original: Escape from L.A.

Año: 1996
Duración: 1 hr 41 min
País: Estados Unidos
Director: John Carpenter
Guion: John Carpenter, Debra Hill, Kurt Russell
Música: John Carpenter, Shirley Walker
Fotografía: Gary B. Kibbe
Reparto: Kurt Russell, Stacy Keach, Steve Buscemi, Peter Fonda, Georges Corraface, Cliff Robertson, Pam Grier
Calificación: 4/10

Sin miedo a la muerte es una película de James Fargo que constituye, por defecto, la tercera entrega de la popular saga policíaca protagonizada por Clint Eastwood. A diferencia de la antecesora Magnum 44 (Post, 1973), que era algo mecánica en sus pretensiones, esta tiene algunas escenas que se benefician de la presencia de Eastwood como el inspector duro de San Francisco, pero siento que su narrativa a veces se vuelve algo irregular y predecible cuando persigue las fórmulas convencionales del cine policial, dejando el rastro de unos resultados desiguales que le impiden tener alto impacto y evidencian, además, los claros síntomas de fatiga en la franquicia. 

En esta ocasión, la trama sigue al inspector Harry Callahan cuando intenta resolver un caso homicidio provocado por la violencia de una organización terrorista de extrema izquierda conocida como Fuerza de Ataque Revolucionaria del Pueblo, mientras trata de ajustarse a las normas del Departamento de Policía de San Francisco y de colaborar con Kate Moore, una inspectora novata que es designada como su nueva compañera. 

En general, la premisa se establece sobre la fórmula del thriller de acción y el cine policial de pareja que se conoce de la franquicia, caracterizada por emparejar a dos investigadores de personalidades opuestas y métodos de trabajo radicalmente distintos. El problema fundamental, sin embargo, radica en que el guion adolece de debilidades estructurales que, por añadidura, estropean el desarrollo de los personajes más allá de las convenciones del género y, a menudo, opta por mostrar acciones que se resuelven con facilismos en un par de situaciones formulaicas que anticipo entre las conversaciones, las persecuciones y los tiroteos. 

Dicho de otro modo, la trama pierde gradualmente su punto tenso al presentar las discusiones de Callahan con sus jefes luego de responder a un asalto y usar su pistola para matar a los ladrones en una licorería; los actos violentos de los terroristas para robar las armas que utilizan en su agenda revolucionaria; las investigaciones de Callahan sobre el robo de armas en las pone en duda la capacidad de Moore para actuar en situaciones peligrosas; la suspensión de Callahan como policía por su comportamiento indisciplinado; el llamado del deber en el que Callahan mata a los malos con su revólver en mano para rescatar al alcalde secuestrado en la prisión abandonada de Alcatraz. 

Las secuencias de acción muestran tiroteos violentos y hasta persecuciones en los tejados, pero por alguna extraña razón siento que carecen de la fuerza necesaria para resultar atrapantes, a menudo por la repetición de tropos que conduce la narrativa por los lugares comunes del género mediante estereotipos: el policía suspendido, los superiores ineptos, la compañera torpe, los villanos psicopáticos sin matices (aquí veteranos de Vietnam radicalizados). La trama se siente en ocasiones alargada, con escenas que parecen relleno para extender el metraje. 

A pesar de esto, consigo recibir el carisma que proyecta Eastwood al interpretar de nuevo a Callahan como un policía honesto, cínico y con mirada que mata antes de demostrar su pericia física apuntando con su Magnum 44, aunque su personaje solo cumple funciones descriptivas que no van a ninguna parte. Tyne Daly, por su parte, introduce una dinámica notable al interpretar a Moore como una mujer que provee algo de alivio cómico para mostrar el lado machista del protagonista a través de una relación que luego evoluciona hacia el respeto mutuo, añadiendo credibilidad a la representación femenina dentro del género policial de la época. 

La dirección de Fargo busca imitar las ecuaciones de Harry el sucio (Siegel, 1971) al incorporar secuencias de acción y tiroteos violentos en zonas urbanas que sirven, asimismo, para encuadrar un comentario sobre la burocracia policial y el activismo radical de los años 70. Este enfoque proporciona momentos regulares de acción y crítica social sin pretender excesiva complejidad, pero, desgraciadamente, no es suficiente para ofrecer algo que haga que esta secuela sea interesante.

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Ficha técnica
Título original: The Enforcer

Año: 1976
Duración: 1 hr 36 min
País: Estados Unidos
Director: James Fargo
Guion: Stirling Silliphant, Dean Reisner
Música: Jerry Fielding
Fotografía: Charles W. Short
Reparto: Clint Eastwood, Tyne Daly, Harry Guardino, Bradford Dillman, John Mitchum
Calificación: 6/10

La ley de los fuertes es una película de Rudolph Maté que supone, en cierta medida, uno de los tantos westerns protagonizados por Charlton Heston cuando este todavía no tenía la influencia necesaria como estrella y finalizaba el contrato original con Paramount Pictures. Tiene algunos atributos que hace que sea vea algo decente por la parte visual en Technicolor, pero, por desgracia, pone de manifiesto algunas de las limitaciones de las producciones de bajo presupuesto del género de la década de los 50, porque, francamente, me parece un western fatigoso que ni siquiera con la presencia de Heston puede empujar una trama que avanza como una diligencia sin caballos, fruto de una narrativa mecánica que me obliga a cuestionar, en más de una ocasión, el guion de James Edward Grant. 

La trama, ambientada durante la era de la Reconstrucción, sigue a Colt Saunders, un exoficial confederado que regresa a su rancho en Texas y contrae matrimonio con una dama que oculta su pasado de prostituta llamada Lorna Hunter, mientras administra el ganado junto a su leal vaquero mexicano Inocencio Ortega y discute con su hermano oveja negra apodado Cinch sobre reclamaciones de terreno.

En general, esta premisa funciona hasta cierto punto por la manera en que construye el relato sobre las fórmulas básicas del western sobre la Reconstrucción, donde el pistolero atormentado trata de redimirse por su pasado en la guerra y se enfrenta a dilemas mundanos que lo arrastran a la inmoralidad; pero mezclando el asunto además sobre las claves del melodrama romántico. 

El problema fundamental, no obstante, es que el guion tarda demasiado en establecer el conflicto central y, a menudo, opta por una estructura errática que abandona la cohesión mientras trata de abordar el desarrollo de los personajes, reduciendo sus acciones a una serie de situaciones rutinarias que se debilita lentamente entre diálogos a puerta cerrada. 

Con una duración de aproximadamente 100 minutos, el argumento me lleva a permanecer abúlico cuando observo que el barullo se diluye en los instantes en que Colt demuestra su amor por Lorna; el plan de Colt para mejorar la productividad del rancho con Inocencio y sus hijos; las discusiones de Colt con el hermano manco por la herencia; las tretas de los recaudadores de impuestos Harrison y Cable para perjudicar el rancho de Colt y su relación con Lorna. Hay peleas, idilios, vaqueros, caballos, mentiras, revelaciones, tiroteos a la hora pautada. 

Pero me resulta particularmente predecible, convencional, con debilidades estructurales que se consumen entre reproches, confesiones y confrontaciones verbales que ralentizan el ritmo hasta el hastío. Los personajes son solo estereotipos vacíos que rellenan las funciones descriptivas. Además, su discurso cae en un moralismo simplista que interrgoga el honor, la redención y el perdón de una manera didáctica que evita ensuciarse al revisar las circunstancias históricas de la Reconstrucción. 

Las actuaciones son, al menos, aceptables. Heston, en un rol que anticipa sus icónicos personajes posteriores, ofrece una actuación regular que permite que Colt se vea como un tipo duro y creíble con sus gestos rígidos, aunque su personaje carece de la profundidad necesaria para tomarlo en serio. Baxter, por su lado, no logra trascender el estereotipo de la mujer con un pasado turbio, pero tiene un par de escenas histéricas para demostrar su pericia expresiva. El resto del reparto —incluyendo a Gilbert Roland y Forrest Tucker— se limita a cumplir cuotas narrativas sin añadir nada sustancioso. 

La dirección de Maté, conocido por su labor como director de fotografía, deposita algunas virtudes en el diseño de vestuario, los decorados de la época y el uso del plano panorámico para magnificar los paisajes del viejo oeste, aprovechando una fotografía eficaz de Loyal Griggs que le concede un aspecto bucólico a las praderas texanas filmadas con los colores de Technicolor bajo el formato VistaVision. Nada de esto, sin embargo, evita que su western se sienta como un producto de encargo anodino, rutinario y desprovisto de alma.

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Título original: Three Violent People

Año: 1956
Duración: 1 hr 40 min
País: Estados Unidos
Director: Rudolph Maté
Guion: James Edward Grant
Música: Walter Scharf
Fotografía: Loyal Griggs
Reparto: Charlton Heston, Anne Baxter, Gilbert Roland, Tom Tryon, Forrest Tucker
Calificación: 4/10

Depredador es una película de John McTiernan a la que me acerco, nuevamente, con la finalidad de encontrar aquellas buenas experiencias que obtuve con ella cuando la veía en televisión local o por cable durante los años 90. No considero que sea una de las cimas del cine de acción ochentero, pero su metraje me hace entender el estatus de culto que ha recibido con el paso de los años porque, a decir verdad, me parece una película de acción endiabladamente entretenida, que me mantiene en todo momento al filo del asiento con cada una de las secuencias en la selva que, a ritmo trepidante, prueban que Arnold Schwarzenegger es el héroe de acción definitivo de los 80, donde vuelvo a quedar completamente impresionado con lo bien que han envejecido sus efectos especiales. 

La trama sigue a Dutch, un Mayor del ejército estadounidense que junto a su equipo de comandos de élite —el agente Dillon, el mercenario Mac, el especialista Poncho, el rudo Blain, el rastreador Billy y el operador Rick— acepta la misión de rescatar a un ministro que ha sido capturado por guerrilleros en la selva centroamericana, pero cuya travesía se ve obstaculizada cuando enfrenta a un extraterrestre que busca cazar a todo su grupo con tecnología avanzada. 

En general, esta premisa tiene un arranque bastante atrapante que se solidifica, dicho sea paso, por la manera sorpresiva en que conjunta el thriller de acción, la aventura de ciencia-ficción y el terror slasher. Y se vuelve incluso más interesante porque el guion se toma el tiempo necesario para desarrollar las caracterizaciones de los personajes lejos del cuadro de motivación, donde sus acciones se justifican sobre situaciones impredecibles que, por añadidura, ocurren cuando todos dialogan perplejos para tratar de comprender la amenaza a la que se enfrentan con sus armas, dando lugar a diálogos de una sola línea que permiten explicar sus respectivos trasfondos personales. 

En este sentido, permanezco atrapado por las peripecias que estallan con las sospechas de los comandos al identificar los cadáveres de soldados despellejados; el tiroteo iniciado el equipo de Dutch al atacar el campamento guerrillero y matar a todos los soldados antes de tomar a una mujer como prisionera; las emboscadas del depredador humanoide tecnológicamente avanzado que permanece invisible con un dispositivo de camuflaje y usa visión térmica para detectar el calor corporal de sus enemigos antes de cazar selectivamente; la estrategia de supervivencia de Dutch para matar al alienígena con trampas explosivas en los árboles y utensilios rudimentarios de la selva antes de alcanzar el punto de extracción. La narrativa siempre preserva un pulso consistente porque, entre otras cosas, equilibra de forma cohesionada los golpes de efecto que trasladan la acción a través de varios géneros. 

La interpretación de Schwarzenegger me resulta particularmente creíble cuando utiliza su corpulencia y destreza física para interpretar a Dutch como un hombre vulnerable que sangra, mata con la mirada y emplea su ingenio para cazar al cazador, logrando algunas escenas memorables que se sostienen por su carisma, los diálogos de una línea —como "If it bleeds, we can kill it"— y la metralleta en mano que dispara niveles de testosterona. Los secundarios que asisten a Schwarzenegger también entregan algunos momentos, destacándose casi siempre Carl Weathers y Bill Duke. 

Con todo ese reparto, McTiernan concibe un epicentro de tensión que pocas veces pierde la intensidad al dinamizar la puesta en escena con el encuadre móvil, el primer plano, el uso del plano subjetivo —la visión termal del depredador—, el campo-contracampo y las atmósferas selváticas fotografiadas por Donald McAlpine que adquieren cierto realismo, además de asegurar unos efectos especiales prácticos que amplifican el contraste de distorsión óptica y el efecto de invisibilidad del traje de la criatura. McTiernan también permite que la banda sonora de Alan Silvestri eleve el lado tenso con el leitmotiv orquestal. Estos elementos, en última instancia, garantizan que la película siempre se mantengan por encima de las expectativas entre disparos, explosiones y energía masculina.

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Título original: Predator

Año: 1987
Duración: 1 hr 47 min
País: Estados Unidos
Director: John McTiernan
Guion: Jim Thomas
Música: Alan Silvestri
Fotografía: Donald McAlpine
Reparto: Arnold Schwarzenegger, Carl Weathers, Sonny Landham, Bill Duke,
Calificación: 7/10

En su película más reciente, Steven Spielberg regresa a la zona segura del contacto alienígena, como lo había hecho antes. Descubre de qué se trata.

En El día de la revelación, Steven Spielberg recupera algunos tropos de su poética de lo alienígena con la finalidad, supongo, de dialogar con una nueva variante sobre el extrañamiento, la otredad y la condición de lo desconocido. Esto Spielberg lo había explorado previamente en películas emblemáticas de su filmografía como Encuentros cercanos del tercer tipo (1977) y E.T., el extraterrestre (1982). Pero en esta ocasión, su enfoque busca una mezcla de ficción especulativa y drama humano, basándose en una investigación de más de dos meses en la que redactó toda la historia que necesitaba en unas 50 páginas luego de leer información en The New York Times sobre el misterioso programa OVNI del Pentágono que, según él, reavivó su interés en el tema. Dicho tratamiento de la historia fue pulido por Spielberg en colaboración con su guionista David Koepp, quien había colaborado anteriormente con el director en La guerra de los mundos (2005).

Previo a los avances no tenía mucho entusiasmo por saber lo que Spielberg quería contar esta vez sobre los alienígenas para completar su trilogía informal sobre el tema. Pero tras pasar cerca de dos horas y medias, salgo con una sensación temblorosa, marcado por una fuerte impresión que me hace razonar lo suficiente como para saber que, francamente, se trata de una de las mejores películas de Spielberg que he visto en más de 20 años. Como thriller de ciencia-ficción me parece particularmente atrapante con su tono misterioso y, en cierta medida, representa un retorno magistral de Spielberg a los temas que han definido gran parte de su obra: el encuentro con lo desconocido, la búsqueda de la verdad y la capacidad de la gente ordinaria para trascender el miedo mediante la empatía, manteniendo cierta sobriedad sobre el relato para añadir profundidad de los personajes que interpretan Josh O'Connor y Emily Blunt.

El argumento, ambientado en un contexto donde el mundo se encuentra al borde de la Tercera Guerra Mundial, sigue a Daniel Kellner (Josh O’Connor), un especialista en ciberseguridad que roba información clasificada sobre tecnología extraterrestre y archivos que evidencian el encubrimiento del gobierno entre los casos reportados de contactos entre humanos y alienígenas desde el incidente de Roswell, bajo el pretexto de revelar dichos documentos para el conocimiento del público con ayuda de su novia, Jane Blankenship (Eve Hewson), y del científico Hugo Wakefield (Colman Domingo), un defensor de la divulgación. Paralelamente, también muestra a Margaret Fairchild (Emily Blunt), una meteoróloga de televisión en Kansas City que, luego de experimentar lapsos mentales que despiertan sobre ella habilidades psíquicas durante una transmisión en vivo, se dispone junto a su novio a buscar a Keller por razones que desconoce. En medio de esta trama, se presenta además a Noah Scanlon (Colin Firth), el jefe de la Corporación Wardex, una corporación secreta del gobierno que lleva décadas encubriendo casos extraterrestres y que, además, tiene el objetivo de perseguir a Daniel y a Margaret para impedir que revelen los experimentos encubiertos sobre alienígenas que podrían poner en peligro el destino de la humanidad.

Desde las primeras escenas, Spielberg configura la premisa sobre las fórmulas de esa poética suya que construye la historia alrededor de los dilemas de personas ordinarias que atraviesan circunstancias extraordinarias, pero ajustando el equilibrio del conflicto desde los marcos genéricos del misterio, el drama y el thriller de ciencia-ficción sobre conspiraciones gubernamentales de extraterrestres. Lo interesante es que, a diferencia de las narrativas distópicas que abundan en el cine de ciencia ficción sobre extraterrestres, aquí opta por una ecuación sobria que se toma el tiempo necesario para profundizar en el desarrollo que hay detrás de las motivaciones de los personajes, además de que solidifica sus acciones sobre una serie de situaciones impredecibles que, por lo regular, evita los lugares comunes al incorporar elementos de conspiración, whistleblowers y capacidades psíquicas latentes, con diálogos sutiles que me invitan a reflexionar sobre las interrogantes del misterio que impulsa la trama.

En este sentido, no me queda más remedio que sentirme provocado por las peripecias que, entre coloquios y persecuciones, ocurren entre la huida de Daniel junto a su novia para ocultarse de las autoridades federales en un convento; las habilidades psíquicas despertadas por Margaret al lado de su novio que le permiten manipular los pensamientos de los demás y comunicarse inconscientemente en otros idiomas; la explicación en la que Daniel le relata a Jane que Wardex realiza experimentos con alienígenas cautivos y aplica ingeniería inversa a su tecnología avanzada; la cacería de los agentes de Wardex para buscar a Daniel y a Margaret mientras Scanlon utiliza un dispositivo telepático para establecer un lazo psíquico y rastrearlos; la misión de Daniel y Margaret al escapar de una instalación del Dr. Wakefield donde descubren su propósito para divulgar la información sobre extraterrestres antes de la llegada de Scanlon. En cada de una de las escenas, Spielberg demuestra una vez más su dominio del storytelling cinematográfico, preservando un ritmo que, a pesar de perder algo fuerza en algunas escenas después de la media hora, se prolonga a lo largo de su estructura: el primer acto establece la conspiración con eficacia, el segundo intensifica la persecución de manera trepidante mientras profundiza el desarrollo de los personajes, y el tercero culmina en una catarsis que me invita a la reflexión.

La odisea de estos personajes, además de desarrollarse con fluidez rítmica, me resulta bastante interesante porque, entre otras cosas, ofrece un comentario profundo sobre el encuentro con lo desconocido, la ética de la divulgación y la necesidad de lo humano para traspasar sus temores intrínsecos mediante la empatía en la otredad. Esto, hasta cierto punto, se entiende como el deber casi obsesivo entre un hombre y una mujer que, marcados por los traumas de la infancia durante una abducción extraterrestre, buscan divulgar éticamente los archivos clasificados en televisión en vivo para dar a conocer la condición con la que los extraterrestres son tratados por los huéspedes humanos, donde la revelación simbólicamente refleja los límites de los secretos de Estado (de una empresa "privada" financiada con capital privado y público) para proteger del conocimiento público la información que puede desestabilizar las estructuras del poder del Estado Profundo. Esto es especialmente cierto porque, por una parte, Daniel desea divulgar la evidencia que tiene en sus manos para que la gente conozca la verdad sobre el trato insolidario que reciben los extraterrestres mientras que, por la otra, Margaret usa sus habilidades psíquicas para apaciguar la irracionalidad de los perseguidores de Scanlon.

Desde luego, esta síntesis discursiva de Spielberg pierde rigor cuando adopta los parámetros progresistas que emplea a los alienígenas para metaforizar superficialmente la condición de los inmigrantes en suelo estadounidense y, además, cuestionar las creencias irracionales del catolicismo mientras se demoniza el ejercicio de la función empresarial (donde los tecnócratas son los "malos" que usan la innovación tecnológica para otros fines clientelares asociados a los actores políticos y corporativos). Pero, al menos, mantiene algo de coherencia interna cuando emplea el tropo de los extraterrestres para dialogar sobre el rol del individuo para enfrentar la supresión gubernamental de la verdad en una era marcada por la desinformación, la fe redentora de la empatía para nuevas rutas de cooperación y, sobre todo, la conexión humana necesaria para entender que los alienígenas hipotéticos, entendido como posibles seres biológicos de otro planeta, podrían bien ser viajeros afectados por la marginación, el exilio y el sentimiento de no encajar en su propia sociedad. Spielberg no solo revela extraterrestres con tono esperanzador; revela lo mejor de uno mismo para comprender el extrañamiento hacia el otro en medio de divisiones culturales y políticas.

Al margen de esto, las actuaciones de de O'Connor y Blunt humanizan a sus personajes en cada una de las escenas donde exponen sus inquietudes. Con su registro expresivo, O'Connor interpreta a Daniel como joven tenaz, rebelde, protector, vulnerable y un brillante experto en ciberseguridad que, tras ser abducido por extraterrestres en su infancia, adquiere un talento excepcional para analizar patrones numéricos y códigos que, asimismo, usa como ventaja para justificar el robo de información ultrasecreta y tecnología alienígena de una corporación clandestina con el objetivo de revelarla al mundo (inducido por la manipulación alienígena), convirtiéndose por defecto en ese arquetipo de héroe cotidiano que se suele observar en la esfera spielbergiana como fugitivo con determinación ética perseguido por fuerzas externas. Blunt, por su parte, entrega lo que a mi parecer es una de las actuaciones más sofisticadas de su carrera al combinar vulnerabilidad e inteligencia con su expresividad—incluyendo un monólogo en un idioma extraterrestre—; interpretando a Margaret como una mujer hiperactiva, volátil, inquieta, que se ve envuelta en una conspiración sobre encubrimiento extraterrestre mientras desarrolla un vínculo mental con Daniel y descubre capacidades psíquicas que nunca antes había tenido, producto de una abducción en su infancia que le otorga habilidades lingüísticas para comunicarse con todas las especies.

El reparto de apoyo es igualmente solvente. Colin Firth encarna a Noah Scanlon con una frialdad calculadora que genera verdadera amenaza como villano, sin caer en caricaturas. Colman Domingo, como Hugo Wakefield, inyecta calidez y convicción moral al grupo de informantes, mientras Eve Hewson aporta credibilidad emocional como la devota Jane. La dirección de actores de Spielberg logra que incluso estos personajes secundarios se sientan plenamente realizados en cada interacción.

Desde el punto de vista técnico, Spielberg encuadra deposita sus mayores virtudes en una puesta en escena que manifiesta esa estética singular de su cine para concebir secuencias memorables y, a la vez, infundir a las escenas intensidad emocional. Por la parte visual, Spielberg narra la aventura de los personajes con artilugios como el primer plano, la elipsis, el montaje de tiempos alternativos, el uso del sobreencuadre, el encuadre móvil que dinamiza la acción y, ante todo, la eficaz fotografía de Janusz Kamiński que magnifica la atmósfera enigmática de las escenas con su característica iluminación azulada. Las secuencias de persecución —un choque con tren, huidas por carreteras y confrontaciones en instalaciones secretas— destacan por su dinamismo, filmadas en 35 mm con lentes anamórficos que otorgan profundidad y textura, mientras se complementan con los efectos especiales para renderizar con elegancia poética a los extraterrestres que adoptan formas discretas como animales antes de mostrar su verdadero aspecto. Por el lado sonoro, Spielberg permite que la banda sonora de John Williams, en su trigésima colaboración, eleve cada secuencia con una partitura que combina orquestación clásica con toques electrónicos moderno.

Estas propiedades, en última instancia, hacen que El día de la revelación me resulte como un logro notable del cine de ciencia-ficción, que reafirma además el compromiso cinematográfico de Spielberg como uno de los grandes narradores de nuestro tiempo, a sus casi 80 años. No solo entretiene con acción palpitante, misterio y efectos impresionantes, sino que me toca las fibras emocionales cuando presenta sus momentos icónicos —el pájaro cardinal que despierta habilidades, las visiones compartidas, la reconstrucción del hogar de la infancia como espacio de abducción—. El clímax, centrado en la transmisión global de “Disclosure Day”, constituye para mi gusto un momento de cine puro que me deja atónito y completamente impresionado por lo que veo en pantalla, hasta el punto de que sigo pensando en lo que veo cuando suben los créditos. Es una obra que, sin lugar a dudas, merece ser celebrada y recordada como un hito en la filmografía del Rey Midas de Hollywood.

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Ficha técnica

Título original: Disclosure Day

Año: 2026

Duración: 2 hr. 25 min.
País: Estados Unidos
Director: Steven Spielberg

Guion: David Koepp, Steven Spielberg

Música: John Williams
Fotografía: Janusz Kaminski
Reparto: Emily Blunt, Josh O'Connor, Colin Firth, Eve Hewson, Colman Domingo, Wyatt Russell
Calificación: 8/10

Tráiler de El día de la revelación