Los indestructibles es una película dirigida y protagonizada por Sylvester Stallone que, de alguna manera, busca recuperar las viejas fórmulas del cine de acción ochentero al traer de vuelta a todos esos actores populares que alguna vez interpretaron a héroes de acción durante su apogeo en Hollywood. Sin embargo, el asunto nostálgico que propone no me parece que sea suficiente porque, francamente, a pesar del elenco estelar de íconos del cine de acción encabezado por el propio Sylvester Stallone y Jason Statham, la película tropieza con una narrativa convencional y predecible que frecuenta demasiados lugares comunes entre explosiones y tiroteos, acumulando clichés hasta dejarme con una sensación de abulia que me impide emocionarme por lo que veo. 

La trama sigue a Barney Ross, el líder de un grupo de mercenarios de élite que, luego de recibir el encargo de la CIA, prepara una misión para eliminar al dictador del país latinoamericano que opera bajo las órdenes del ex oficial de la CIA James Munroe, reuniendo además a su equipo conformado por el especialista en armas blancas Lee Christmas, el artista marcial Yin Yang, el ingeniero químico Gunner Jensen, el especialista en armas Hale Caesar y el experto en demoliciones Toll Road. 

En general, esta premisa establece el conflicto sobre la fórmula básica del cine de acción, en la que un grupo de mercenarios ponen a prueba sus habilidades letales para matar a los malos y cumplir una misión. El problema central, no obstante, es que el guion pierde algo de cohesión al intentar añadir desarrollo a las motivaciones internas de los mercenarios y opta, a menudo, por colocarlos en una serie de situaciones anodinas que dejan el rastro de diálogos expositivos, acciones superficiales y giros bastante predecibles. 

Cuando esto sucede no puedo evitar permanecer en un estado abúlico al ver la camaradería masculina que surge de la misión de reconocimiento en la que Barney y Christmas vuelvan hidroplano hasta Vilena para obtener información de su contacto, Sandra; la alianza de Munroe con el general Garza para mantener su operación de narcotráfico en la región; la persecución en las calles en la que Barney y Yang se enfrentan a los secuaces del traidor Gunner; el operativo nocturno de los mercenarios al infiltrar el palacio del tirano para acabar con su ejército usando todo tipo de armas. 

En medio del barullo, abundan los one-liners torpes y las conversaciones que parecen salidas de un guion de serie B de bajo presupuesto. Aunque hay explosiones, balaceras y combates cuerpo a cuerpo, las secuencias de acción simplemente carecen del gancho necesario para atraparme porque caen en una inercia de gratuidad al servicio del gore y violencia extrema. La falta de desarrollo de personajes convierte a los mercenarios en una colección de arquetipos sin alma con metralleta en mano: el líder cansado, el especialista en cuchillos, el experto en armas, etc. 

Al margen de esto, las actuaciones mediocres del reparto por lo menos muestran algo de pericia física para otorgar cierta credibilidad a las escenas de acción. Esto es algo que demuestra Stallone a sus 64 años al moverse, saltar y combatir, aunque el guion lo reduce al estereotipo del soldado que tiene todo bajo control. Statham, por su lado, cumple su rol de tipo duro eficiente junto, a pesar de quedar subutilizado como un personaje de relleno junto a Jet Li y Dolph Lundgren. De nada sirven los cameos publicitarios de Bruce Willis y Arnold Schwarzenegger. 

Técnicamente, la ejecución de Stallone muestra su desempeño para arreglar el diseño de producción que sirve como base para la acción caótica y los escenarios exóticos, con unos efectos visuales de CGI que me resultan bastante pobres. Pero su dirección, a pesar de sostenerse con un ritmo conciso, desperdicia un reparto legendario, con una premisa que confirma que, en ocasiones, el pasado del cine de acción es mejor recordarlo que intentar recrearlo de forma tan mecánica.

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Ficha técnica
Título original: The Expendables

Año: 2010
Duración: 1 hr 43 min
País: Estados Unidos
Director: Sylvester Stallone
Guion: Dave Callaham, Sylvester Stallone
Música: Brian Tyler
Fotografía: Ken Blackwell
Reparto: Sylvester Stallone, Jason Statham, Jet Li, Randy Couture, Dolph Lundgren, Mickey Rourke, Terry Crews, Eric Roberts, David Zayas, Giselle Itié
Calificación: 5/10

Supergirl es una película de Craig Gillespie a la que asisto, dicho sea de paso, para ver cómo continúa el universo de DC establecido bajo la supervisión de James Gunn desde Superman (2025) y cuya primera etapa, por lo que sé, lleva el título "Capítulo Uno: Dioses y Monstruos". Se dice, además, que adapta elementos de la serie de cómics Supergirl: Woman of Tomorrow, escrita por Tom King e ilustrada por Bilquis Evely. Pero los 107 minutos que paso absorbiendo sus imágenes me dejan con la sensación de que no sirve de nada que sea adaptada de historietas recientes porque, a decir verdad, es una película de superhéroes algo aburrida y superficial, a la que le falta algo de gancho para capitalizar su premisa interestelar de venganza y justicia. 

La trama sigue a Kara Zor-El, la prima de Superman que celebra su cumpleaños viajando por la galaxia con su perro Krypto para olvidar su trágico pasado, llevando una vida de alcoholismo y desorden, pero cuya rutina es interrumpida cuando Krypto es herido durante una confrontación con los piratas espaciales liderados por Krem y, además, se cruza con la joven Ruthye Marye Knoll, a la cual decide ayudar en su camino de venganza mientras trata de obtener la cura para salvar al cachorro. 

En general, la historia de origen se muestra sobre las fórmulas de la aventura espacial del cine fantástico de superhéroes, donde la superheroína debe superar obstáculos antes de asumir la responsabilidad con los superpoderes. 

Sin embargo, el guion estropea el desarrollo de la protagonista al conducir sus acciones por un abanico de situaciones predecibles que, por lo regular, alterna entre flashbacks y set-pieces caóticos sin lograr un ritmo equilibrado, perdiendo además la cohesión al tratar de narrar las subtramas de unos personajes secundarios que solo rellenan unas escenas repletas de gratuidad, clichés y diálogos expositivos. 

De esta manera, permanezco en un lapso de abulia al observar la travesía de Kara al colaborar con la jovencita asiática para saldar las cuentas con Krem; la malevolencia de Krem como el líder de unos bandidos que se dedican al tráfico de niñas; la misión de Lobo como el mercenario alienígena y cazarrecompensas de la moto que busca a un bandido; los recuerdos de Kara como una joven criada en un trozo del planeta destruido Krypton que vio morir a todos a su alrededor; los combates iniciados por Supergirl cuando obtiene poderes de los soles amarillos antes de vestir el icónico traje y volar por los cielos. 

Las secuencias de acción se vuelven repetitivas cuando intentan impulsar el oscuro conflicto entre persecuciones y peleas. El humor no me provoca ninguna risa. No hay inspiración ni heroismo. Y lo peor de todo es que la narrativa se siente didáctica porque, entre otras cosas, conduce a la protagonista por las rutas discursivas, de ese progresismo colgado en cada escena para montar un comentario sobre la pérdida, la resiliencia y la madurez de una mujer, con las pretensiones típicas del empoderamiento femenino. 

A pesar de estas contrariedades, Milly Alcock entrega una actuación decente como Superchica al expresar la vulnerabilidad y la determinación de una mujer rota afectada por el pasado que busca superar el trauma ayudando a los demás, aunque su esfuerzo se ve limitado por un guion que casi no la aprovecha. Matthias Schoenaerts está simplemente olvidable como el villano genérico. Y Jason Momoa, a pesar del maquillaje, me resulta pretencioso como Lobo. 

Técnicamente, la dirección de Gillespie deposita sus minúsculas virtudes en el diseño de vestuario y los efectos visuales que crean las atmósferas interplanetarias, aunque a veces el CGI del que dispone se ve algo mediocre, como si los escenarios hubieran sido generados por IA. Gillespie también permite que la banda sonora de Claudia Sarne se escuche en algunas escenas. Pero, desafortunadamente, ninguna de estas decisiones creativas evitan que esta película suya parezca un producto descartable, redundante y sin sorpresa, que no logra justificar su lanzamiento más allá de expandir un universo en construcción.

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Ficha técnica
Título original: Supergirl

Año: 2026
Duración: 1 hr 47 min
País: Estados Unidos
Director: Craig Gillespie
Guion: Oren Uziel, Ana Nogueira
Música: Claudia Sarne
Fotografía: Rob Hardy
Reparto: Milly Alcock, Matthias Schoenaerts, Eve Ridley, Jason Momoa, David Krumholtz, David Corenswet
Calificación: 5/10

Toy Story 5 es una película de Andrew Stanton que representa, en cierta medida, la nueva entrega en la popular franquicia de Pixar que intenta continuar las aventuras de los juguetes que alguna vez fueron memorables en Toy Story (1995), Toy Story 2 (1999) y Toy Story 3 (2010) cuando todavía John Lasseter no había sido despedido por la cultura de la cancelación. Lo que me encuentro en la hora y media que tiene de metraje me obliga a razonar lo necesario como para saber que desde Toy Story 4 (2019) ya no hay nada que se pueda esperar de la saga porque, a decir verdad, me parece una secuela aburrida y completamente innecesaria, que subraya en efecto los límites creativos de una franquicia animada que nunca debió pasar de la tercera parte. 

La trama sigue esta vez a Jessie, quien ejerce su liderazgo por encima de Buzz al haber sido nombrada la nueva guardiana de la habitación de Bonnie desde la partida de Woody, pero cuya motivación se ve alterada cuando la pequeña Bonnie se olvida de ella y de todos sus juguetes cuando sus padres le compran una tableta con forma de rana llamada Lilypad con la esperanza de ayudarla a socializar con niñas de su edad, por lo que se dispone a recuperar el interés de ella para no repetir los mismos errores de su pasado. 

En términos generales, esta premisa propicia un arranque estructurado sobre las fórmulas de la franquicia, donde los juguetes se embarcan en una aventura que los lleva más allá de las habitaciones infantiles hacia un mundo exterior. 

El problema fundamental, sin embargo, es que el guion adolece de debilidades narrativas que se manifiestan en el escaso desarrollo de los personajes y opta, a menudo, por reciclar situaciones predecibles que pierden el rumbo por la pretensión de abordar múltiples conflictos artificiales que carecen de profundidad, reduciendo las acciones de personajes principales, como Woody o Buzz, a una falta de protagonismo que, en esta ocasión, es reemplazada por la insulsa Jessie. 

Por esta razón, no me queda más remedio que permanecer en completa indiferencia al ver el plan de Jessie para recuperar el cariño de Bonnie antes de perderse junto a Bullseye en la granja de su dueña original habitada por una familia nueva —compuesta por una niña llamada Blaze y sus padres—; la sensibilidad de Bonnie como una niña tímida adicta a su tableta que recibe burlas de sus compañeras; la colaboración de Jessie con los nuevos juguetes olvidados y un dispositivo para enseñar a ir al baño llamado Smarty Pants; la misión de Woody y Buzz para rastrear a Jessie con ayuda del ejército de Buzz; la tarea de Jessie para lograr que la niña Blaze se haga amiga de Bonnie. 

Las secuencias avanzan a un ritmo plomizo en el que se habla mucho y el humor se vuelve torpe. No hay ni siquiera diversión, gracia o sorpresa alguna. Los personajes icónicos aparecen aquí ridiculizados y emasculados, mientras los nuevos se presentan como arquetipos planos al servicio de un comentario bastante forzado sobre la amistad, el abandono y los efectos de la tecnología digital en el crecimiento infantil; pero ahora arreglado sobre esas modas progresistas de Disney que, como adoctrinamiento, enuncia de forma didáctica conceptos woke de diversidad, empoderamiento femenino y deconstrucción de roles tradicionales de género en el mundo de los juguetes. 

Las voces del doblaje, con el regreso de Tom Hanks y Tim Allen junto a Joan Cusack, ofrecen cierta familiaridad, pero incluso sus interpretaciones parecen cansadas ante un material que no les brinda oportunidades para lucirse. 

Técnicamente, la animación dirigida por Stanton mantiene el estándar visual de Pixar al renderizar, con texturas detalladas y colores vibrantes, los distintos escenarios del mundo de los juguetes. Pero, a fin de cuentas, su ejercicio de animación solo queda como un accesorio superficial de un producto olvidable que, como secuela, parece haber sucumbido a las presiones de la corrección ideológica que solo quiere destruir la inocencia de los niños. 

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Ficha técnica
Título original: Toy Story 5

Año: 2026
Duración: 1 hr 42 min
País: Estados Unidos
Director: Andrew Stanton
Guion: Andrew Stanton, McKenna Harris
Música: Randy Newman
Fotografía: Matt Aspbury, Jean-Claude Kalache
Reparto (voces): Joan Cusack, Tom Hanks, Tim Allen, Greta Lee, Conan O'Brien
Calificación: 5/10

Escape de Los Ángeles es una película de John Carpenter que supone, en cierta medida, una secuela de Escape de Nueva York (1981) que trae de regreso al icónico personaje de Snake Plissken que interpreta Kurt Russell. Se dice que Carpenter tardó más de una década en producirla porque se mostraba reacio a las secuelas, pero la insistencia de Russell finalmente lo convenció para filmarla. Esta anécdota me ha hace razonar lo suficiente como para saber que Carpenter debió guiarse de su intuición para no realizarla porque, francamente, me parece una secuela aburrida y particularmente cutre de la que ni siquiera Russell es capaz de escapar de los clichés, de una trama predecible que frecuenta demasiados lugares comunes en las típicas pretensiones de ciencia ficción de serie B del director. 

La trama, ambientada en un futuro alternativo de 2013 en el que Estados Unidos está gobernado por un presidente teocrático vitalicio y la ciudad de Los Ángeles se convierte en isla-prisión luego de un terremoto masivo —donde son deportados permanentemente todos los infractores de las leyes morales establecidas—, sigue a Plissken cuando es reclutado por órdenes del presidente estadounidense para recuperar en Los Ángeles el control remoto de un arma secreta robada por su propia hija para entregárselo a un terrorista revolucionario peruano conocido como Cuervo Jones, una misión que acepta además a cambio de que se le condone su inminente deportación y por la presión de un virus letal inyectado sobre su cuerpo que lo puede matar en menos de diez horas. 

En general, esta premisa está estructurada siguiendo las fórmulas establecidas por la antecesora, donde Snake es reclutado por un gobierno autoritario para infiltrarse en una zona hostil con el fin de recuperar un dispositivo de control que, por lo regular, funciona como MacGuffin para impulsar el conflicto. 

Sin embargo, el guion no se toma la molestia de añadir algo de sustancia al desarrollo de los personajes lejos de las motivaciones insulsas que describen el asunto, a menudo reduciendo las acciones a un abanico de situaciones predecibles que se resuelven de forma cursi entre tiros, explosiones y facilismos antes de las pausas para diálogos cutres de una línea. 

En este sentido, la película me obliga permanecer bajo una indiferencia que se prolonga con la misión de Plissken al atravesar el páramo postapocalíptico de Los Ángeles para enfrentar con pistola en mano a matones; los planes del comunista Cuervo como el líder revolucionario de Sendero Luminoso para destruir el imperialismo norteamericano con una invasión de naciones del tercer mundo; la colaboración de Plissken con un estafador llamado Eddie para obtener información sobre Cuervo; la ayuda que recibe Plissken de un surfista que aparece antes de un maremoto; la estrategia de Plissken para infiltrar la guarida de Cuervo al colaborar con una mujer transgénero y antigua socia criminal. 

Hay hologramas, capturas, persecuciones, tiroteos, revolucionarios, caos y un sin fin de gratuidades que desafía toda lógica posible del género, sufriendo un tono inconsistente que pierde la cohesión en cada subtrama por esa necesidad de intentar combinar acción exagerada con humor negro bajo una inercia narrativa que, dicho sea de paso, estira las secuencias de una manera repetitiva para acentuar un comentario social algo maniqueo sobre la desigualdad y el autoritarismo. 

Russell hace lo que puede al usar su voz y su destreza física para interpretar de nuevo a Snake Plissken como el antihéroe lacónico y carismático del parche, aunque se reduce aquí a una caricatura que repite one-liners sin evolución alguna. 

A pesar de estos inconvenientes, Carpenter deposita algo de autenticidad en el diseño de vestuario y los escenarios que captan la atmósfera distópica del relato oscuro, además de permitir que se escuche la banda sonora que él mismo compone junto a Shirley Walker. Nada de esto, sin embargo, evita que su secuela tenga un aspecto descuidado y sumamente genérico, sobre todo por unos efectos visuales en CGI bastante pobres para su época que solo reflejan las limitaciones presupuestarias. 

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Ficha técnica
Título original: Escape from L.A.

Año: 1996
Duración: 1 hr 41 min
País: Estados Unidos
Director: John Carpenter
Guion: John Carpenter, Debra Hill, Kurt Russell
Música: John Carpenter, Shirley Walker
Fotografía: Gary B. Kibbe
Reparto: Kurt Russell, Stacy Keach, Steve Buscemi, Peter Fonda, Georges Corraface, Cliff Robertson, Pam Grier
Calificación: 4/10

Sin miedo a la muerte es una película de James Fargo que constituye, por defecto, la tercera entrega de la popular saga policíaca protagonizada por Clint Eastwood. A diferencia de la antecesora Magnum 44 (Post, 1973), que era algo mecánica en sus pretensiones, esta tiene algunas escenas que se benefician de la presencia de Eastwood como el inspector duro de San Francisco, pero siento que su narrativa a veces se vuelve algo irregular y predecible cuando persigue las fórmulas convencionales del cine policial, dejando el rastro de unos resultados desiguales que le impiden tener alto impacto y evidencian, además, los claros síntomas de fatiga en la franquicia. 

En esta ocasión, la trama sigue al inspector Harry Callahan cuando intenta resolver un caso homicidio provocado por la violencia de una organización terrorista de extrema izquierda conocida como Fuerza de Ataque Revolucionaria del Pueblo, mientras trata de ajustarse a las normas del Departamento de Policía de San Francisco y de colaborar con Kate Moore, una inspectora novata que es designada como su nueva compañera. 

En general, la premisa se establece sobre la fórmula del thriller de acción y el cine policial de pareja que se conoce de la franquicia, caracterizada por emparejar a dos investigadores de personalidades opuestas y métodos de trabajo radicalmente distintos. El problema fundamental, sin embargo, radica en que el guion adolece de debilidades estructurales que, por añadidura, estropean el desarrollo de los personajes más allá de las convenciones del género y, a menudo, opta por mostrar acciones que se resuelven con facilismos en un par de situaciones formulaicas que anticipo entre las conversaciones, las persecuciones y los tiroteos. 

Dicho de otro modo, la trama pierde gradualmente su punto tenso al presentar las discusiones de Callahan con sus jefes luego de responder a un asalto y usar su pistola para matar a los ladrones en una licorería; los actos violentos de los terroristas para robar las armas que utilizan en su agenda revolucionaria; las investigaciones de Callahan sobre el robo de armas en las pone en duda la capacidad de Moore para actuar en situaciones peligrosas; la suspensión de Callahan como policía por su comportamiento indisciplinado; el llamado del deber en el que Callahan mata a los malos con su revólver en mano para rescatar al alcalde secuestrado en la prisión abandonada de Alcatraz. 

Las secuencias de acción muestran tiroteos violentos y hasta persecuciones en los tejados, pero por alguna extraña razón siento que carecen de la fuerza necesaria para resultar atrapantes, a menudo por la repetición de tropos que conduce la narrativa por los lugares comunes del género mediante estereotipos: el policía suspendido, los superiores ineptos, la compañera torpe, los villanos psicopáticos sin matices (aquí veteranos de Vietnam radicalizados). La trama se siente en ocasiones alargada, con escenas que parecen relleno para extender el metraje. 

A pesar de esto, consigo recibir el carisma que proyecta Eastwood al interpretar de nuevo a Callahan como un policía honesto, cínico y con mirada que mata antes de demostrar su pericia física apuntando con su Magnum 44, aunque su personaje solo cumple funciones descriptivas que no van a ninguna parte. Tyne Daly, por su parte, introduce una dinámica notable al interpretar a Moore como una mujer que provee algo de alivio cómico para mostrar el lado machista del protagonista a través de una relación que luego evoluciona hacia el respeto mutuo, añadiendo credibilidad a la representación femenina dentro del género policial de la época. 

La dirección de Fargo busca imitar las ecuaciones de Harry el sucio (Siegel, 1971) al incorporar secuencias de acción y tiroteos violentos en zonas urbanas que sirven, asimismo, para encuadrar un comentario sobre la burocracia policial y el activismo radical de los años 70. Este enfoque proporciona momentos regulares de acción y crítica social sin pretender excesiva complejidad, pero, desgraciadamente, no es suficiente para ofrecer algo que haga que esta secuela sea interesante.

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Ficha técnica
Título original: The Enforcer

Año: 1976
Duración: 1 hr 36 min
País: Estados Unidos
Director: James Fargo
Guion: Stirling Silliphant, Dean Reisner
Música: Jerry Fielding
Fotografía: Charles W. Short
Reparto: Clint Eastwood, Tyne Daly, Harry Guardino, Bradford Dillman, John Mitchum
Calificación: 6/10

La ley de los fuertes es una película de Rudolph Maté que supone, en cierta medida, uno de los tantos westerns protagonizados por Charlton Heston cuando este todavía no tenía la influencia necesaria como estrella y finalizaba el contrato original con Paramount Pictures. Tiene algunos atributos que hace que sea vea algo decente por la parte visual en Technicolor, pero, por desgracia, pone de manifiesto algunas de las limitaciones de las producciones de bajo presupuesto del género de la década de los 50, porque, francamente, me parece un western fatigoso que ni siquiera con la presencia de Heston puede empujar una trama que avanza como una diligencia sin caballos, fruto de una narrativa mecánica que me obliga a cuestionar, en más de una ocasión, el guion de James Edward Grant. 

La trama, ambientada durante la era de la Reconstrucción, sigue a Colt Saunders, un exoficial confederado que regresa a su rancho en Texas y contrae matrimonio con una dama que oculta su pasado de prostituta llamada Lorna Hunter, mientras administra el ganado junto a su leal vaquero mexicano Inocencio Ortega y discute con su hermano oveja negra apodado Cinch sobre reclamaciones de terreno.

En general, esta premisa funciona hasta cierto punto por la manera en que construye el relato sobre las fórmulas básicas del western sobre la Reconstrucción, donde el pistolero atormentado trata de redimirse por su pasado en la guerra y se enfrenta a dilemas mundanos que lo arrastran a la inmoralidad; pero mezclando el asunto además sobre las claves del melodrama romántico. 

El problema fundamental, no obstante, es que el guion tarda demasiado en establecer el conflicto central y, a menudo, opta por una estructura errática que abandona la cohesión mientras trata de abordar el desarrollo de los personajes, reduciendo sus acciones a una serie de situaciones rutinarias que se debilita lentamente entre diálogos a puerta cerrada. 

Con una duración de aproximadamente 100 minutos, el argumento me lleva a permanecer abúlico cuando observo que el barullo se diluye en los instantes en que Colt demuestra su amor por Lorna; el plan de Colt para mejorar la productividad del rancho con Inocencio y sus hijos; las discusiones de Colt con el hermano manco por la herencia; las tretas de los recaudadores de impuestos Harrison y Cable para perjudicar el rancho de Colt y su relación con Lorna. Hay peleas, idilios, vaqueros, caballos, mentiras, revelaciones, tiroteos a la hora pautada. 

Pero me resulta particularmente predecible, convencional, con debilidades estructurales que se consumen entre reproches, confesiones y confrontaciones verbales que ralentizan el ritmo hasta el hastío. Los personajes son solo estereotipos vacíos que rellenan las funciones descriptivas. Además, su discurso cae en un moralismo simplista que interrgoga el honor, la redención y el perdón de una manera didáctica que evita ensuciarse al revisar las circunstancias históricas de la Reconstrucción. 

Las actuaciones son, al menos, aceptables. Heston, en un rol que anticipa sus icónicos personajes posteriores, ofrece una actuación regular que permite que Colt se vea como un tipo duro y creíble con sus gestos rígidos, aunque su personaje carece de la profundidad necesaria para tomarlo en serio. Baxter, por su lado, no logra trascender el estereotipo de la mujer con un pasado turbio, pero tiene un par de escenas histéricas para demostrar su pericia expresiva. El resto del reparto —incluyendo a Gilbert Roland y Forrest Tucker— se limita a cumplir cuotas narrativas sin añadir nada sustancioso. 

La dirección de Maté, conocido por su labor como director de fotografía, deposita algunas virtudes en el diseño de vestuario, los decorados de la época y el uso del plano panorámico para magnificar los paisajes del viejo oeste, aprovechando una fotografía eficaz de Loyal Griggs que le concede un aspecto bucólico a las praderas texanas filmadas con los colores de Technicolor bajo el formato VistaVision. Nada de esto, sin embargo, evita que su western se sienta como un producto de encargo anodino, rutinario y desprovisto de alma.

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Título original: Three Violent People

Año: 1956
Duración: 1 hr 40 min
País: Estados Unidos
Director: Rudolph Maté
Guion: James Edward Grant
Música: Walter Scharf
Fotografía: Loyal Griggs
Reparto: Charlton Heston, Anne Baxter, Gilbert Roland, Tom Tryon, Forrest Tucker
Calificación: 4/10

Depredador es una película de John McTiernan a la que me acerco, nuevamente, con la finalidad de encontrar aquellas buenas experiencias que obtuve con ella cuando la veía en televisión local o por cable durante los años 90. No considero que sea una de las cimas del cine de acción ochentero, pero su metraje me hace entender el estatus de culto que ha recibido con el paso de los años porque, a decir verdad, me parece una película de acción endiabladamente entretenida, que me mantiene en todo momento al filo del asiento con cada una de las secuencias en la selva que, a ritmo trepidante, prueban que Arnold Schwarzenegger es el héroe de acción definitivo de los 80, donde vuelvo a quedar completamente impresionado con lo bien que han envejecido sus efectos especiales. 

La trama sigue a Dutch, un Mayor del ejército estadounidense que junto a su equipo de comandos de élite —el agente Dillon, el mercenario Mac, el especialista Poncho, el rudo Blain, el rastreador Billy y el operador Rick— acepta la misión de rescatar a un ministro que ha sido capturado por guerrilleros en la selva centroamericana, pero cuya travesía se ve obstaculizada cuando enfrenta a un extraterrestre que busca cazar a todo su grupo con tecnología avanzada. 

En general, esta premisa tiene un arranque bastante atrapante que se solidifica, dicho sea paso, por la manera sorpresiva en que conjunta el thriller de acción, la aventura de ciencia-ficción y el terror slasher. Y se vuelve incluso más interesante porque el guion se toma el tiempo necesario para desarrollar las caracterizaciones de los personajes lejos del cuadro de motivación, donde sus acciones se justifican sobre situaciones impredecibles que, por añadidura, ocurren cuando todos dialogan perplejos para tratar de comprender la amenaza a la que se enfrentan con sus armas, dando lugar a diálogos de una sola línea que permiten explicar sus respectivos trasfondos personales. 

En este sentido, permanezco atrapado por las peripecias que estallan con las sospechas de los comandos al identificar los cadáveres de soldados despellejados; el tiroteo iniciado el equipo de Dutch al atacar el campamento guerrillero y matar a todos los soldados antes de tomar a una mujer como prisionera; las emboscadas del depredador humanoide tecnológicamente avanzado que permanece invisible con un dispositivo de camuflaje y usa visión térmica para detectar el calor corporal de sus enemigos antes de cazar selectivamente; la estrategia de supervivencia de Dutch para matar al alienígena con trampas explosivas en los árboles y utensilios rudimentarios de la selva antes de alcanzar el punto de extracción. La narrativa siempre preserva un pulso consistente porque, entre otras cosas, equilibra de forma cohesionada los golpes de efecto que trasladan la acción a través de varios géneros. 

La interpretación de Schwarzenegger me resulta particularmente creíble cuando utiliza su corpulencia y destreza física para interpretar a Dutch como un hombre vulnerable que sangra, mata con la mirada y emplea su ingenio para cazar al cazador, logrando algunas escenas memorables que se sostienen por su carisma, los diálogos de una línea —como "If it bleeds, we can kill it"— y la metralleta en mano que dispara niveles de testosterona. Los secundarios que asisten a Schwarzenegger también entregan algunos momentos, destacándose casi siempre Carl Weathers y Bill Duke. 

Con todo ese reparto, McTiernan concibe un epicentro de tensión que pocas veces pierde la intensidad al dinamizar la puesta en escena con el encuadre móvil, el primer plano, el uso del plano subjetivo —la visión termal del depredador—, el campo-contracampo y las atmósferas selváticas fotografiadas por Donald McAlpine que adquieren cierto realismo, además de asegurar unos efectos especiales prácticos que amplifican el contraste de distorsión óptica y el efecto de invisibilidad del traje de la criatura. McTiernan también permite que la banda sonora de Alan Silvestri eleve el lado tenso con el leitmotiv orquestal. Estos elementos, en última instancia, garantizan que la película siempre se mantengan por encima de las expectativas entre disparos, explosiones y energía masculina.

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Título original: Predator

Año: 1987
Duración: 1 hr 47 min
País: Estados Unidos
Director: John McTiernan
Guion: Jim Thomas
Música: Alan Silvestri
Fotografía: Donald McAlpine
Reparto: Arnold Schwarzenegger, Carl Weathers, Sonny Landham, Bill Duke,
Calificación: 7/10