Amos del universo es una película de Travis Knight que busca resucitar, entre otras cosas, la icónica franquicia de juguetes creada por Mattel junto a la serie de animación de los 80. Lejos de honrar el legado nostálgico en la cultura pop de los dibujos animados, lo que encuentro en sus dos largas horas es lo suficientemente mediocre como para saber que hasta la idea de reciclar propiedades intelectuales tiene sus límites porque, francamente, como fantasía de espada y brujería frecuenta lugares comunes hasta volverse aburrida y predecible, en una narrativa plomiza que está poblada de personajes vacíos que parecen operar como figuras de plástico. 

La trama sigue a Adam, el joven príncipe del planeta Eternia que entrena junto a su amiga Teela en el arte de la batalla por el jefe de la Guardia Real Duncan, pero cuya vida cambia luego de escapar de la destrucción de su reino en el Castillo Grayskull y la muerte de su familia causada por el malvado hechicero Skeletor, donde atraviesa un portal a la Tierra cargando la Espada del Poder y termina, 15 años después, tratando de adaptarse a la vida adulta trabajando en una empresa en Oklahoma mientras trata de recuperar la espada perdida. 

Esta premisa se estructura, desde el principio, sobre las fórmulas genéricas de la ciencia-ficción y el cine fantástico de espada y brujerías, donde el héroe principal es un guerrero con poderes místicos que blande su espada para vencer a un hechicero perverso y salvar a su reino en nombre de la justicia. 

Sin embargo, el guion debilita gradualmente el desarrollo de Adam hasta convertirlo en un héroe superficial que solo rellena descripciones insulsas para justificar su motivación, además de reducir sus acciones a diálogos cutres y escenas de combate predecibles, en medio de una serie de situaciones expositivas que, a menudo, permanecen girando sobre una circularidad de clichés y facilismos que fallan en los intentos de profundizar en los conflictos internos de los personajes. 

En este sentido, no puedo eludir la impresión de fatiga que recibo al ver la obsesión de Adam por encontrar la espada antes de superar sus miedos "fálicos"; el regreso de Adam hacia Eternia en la nave de Teela antes de reunirse con Duncan y Roboto en una prisión; los monólogos de Skeletor tras castigar a sus secuaces ineptos; el discurso motivacional de Adam para convencer a los guerreros Fisto, Ram-Man, Dian y Mekaneck de que se unan a su causa; la batalla final en la que los guerreros enfrentan a los malos mientras Adam usa la espada para invocar el poder de Grayskull y derrotar a Skeletor. Hay persecuciones, peleas, hechicería, rituales, poderes mágicos. 

Pero casi nada funciona porque, por lo regular, la narrativa está condicionada de fábrica por esa moda woke de estereotipos progresistas de Hollywood —feminista empoderada, héroe emasculado, diversidad gratuita, inclusión selectiva— que solo buscan tergiversar la masculinidad de He-Man de una manera bastante artificiosa que profana el material original con chistes de doble sentido que parecen insertados para cumplir cuotas. 

Nicholas Galitzine ofrece una presencia física aceptable para representar a He-Man con su corpulencia, pero lo que hace y dice no tiene fuerza ni convicción. Jared Leto tiene algunos momentos interpretando a Skeletor, pero su personaje es solo un villano caricaturesco. El resto del elenco no tiene ni siquiera química porque está constituido por arquetipos sin desarrollo, reducidos a proporcionar explicaciones rebuscadas. 

Desde el punto de vista técnico, Knight deposita algunas de sus virtudes en la construcción de los escenarios fantásticos, el diseño de vestuario y, ante todo, los efectos especiales que conciben las secuencias de batalla en Eternia con sus paisajes, las explosiones y criaturas de CGI. Knight también se asegura de que la música de Daniel Pemberton se escuche con el leitmotiv original. No obstante, estos elementos que incorpora son insuficientes para evitar la falta de gancho que hay detrás de esta nueva aventura sobre He-Man y los maestros del universo.

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Ficha técnica
Título original: Masters of the Universe

Año: 2026
Duración: 2 hr. 20 min.
País: Estados Unidos
Director: Travis Knight
Guion: Chris Butler, Aaron Nee, Adam Nee, David Callaham.
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Fabian Wagner
Reparto: Nicholas Galitzine, Camila Mendes, Alison Brie, Idris Elba, Jared Leto, James Purefoy
Calificación: 4/10

El fin del mundo, dirigida por August Blom para la productora danesa Nordisk Film, es una película muda que constituye, dicho sea de paso, una de las primeras incursiones en el subgénero del cine de catástrofes. Está firmada con un guion de Otto Rung. Y además se dice que, en el momento de su estreno, atrajo a una gran audiencia por los temores causados durante el paso del cometa Halley seis años antes y los disturbios que se vivían durante la Primera Guerra Mundial. Como drama mudo de ciencia-ficción tiene algunas cosas aceptables que se manifiestan, a menudo, en los efectos especiales adoptados por Blom para reflejar la catástrofe mundial, pero su narrativa es particularmente superficial mostrando las histeria de los personajes, dejándome con la sensación de que le falta algo de profundidad para ampliar la síntesis discursiva sobre el choque de clases. 

La trama reúne a varios personajes —dos astrónomos, un empresario rico, un capataz, dos hermanas, un minero— alrededor del conflicto generado cuando unos científicos descubren un cometa en curso de colisión con el planeta Tierra, mientras un millonario llamado Frank Stoll aprovecha el pánico para especular en el mercado bursátil y manipular a la prensa para ocultar la noticia al pueblo. 

En general, esta premisa sencilla edifica el argumento estableciendo las pautas del cine de catástrofes, en la que un grupo de personas intenta sobrevivir a un cataclismo inevitable en medio del pánico colectivo. Sin embargo, el guion me parece bastante débil porque, por añadidura, no se toma la molestia de desarrollar a los personajes lejos de las descripciones triviales que impulsan sus motivaciones entre los intertítulos, además de que reduce las acciones de todos a una serie de situaciones predecibles arregladas sobre dilemas amorosos, intrigas financieras y cálculos científicos. 

Debido a esto soy incapaz de contener la abulia que me causa ver la investigación de los astrónomos para determinar la trayectoria del cometa y emitir un comunicado alertando sobre el impacto del cometa; la vida cotidiana de la familia del capataz West y sus dos hijas: la virtuosa Edith y la impulsiva Dina; la avaricia del magnate Stoll antes de casarse con la caprichosa Dina y especular en la bolsa para aumentar su riqueza; el día del juicio en el que los ricos y los pobres se enfrentan antes de la hecatombe. 

La primera mitad se desarrolla como un melodrama convencional centrado en los conflictos románticos y los estereotipos sociales, con un ritmo que dilata innecesariamente la introducción del elemento catastrófico. La segunda, en cambio, muestra la histeria masiva de una manera apresurada que solo coloca a los personajes como fichas en un tablero con la finalidad, supongo, de esclarecer un comentario social trillado y maniqueo sobre la presunta "lucha de clases" que se observa entre los pobres y los ricos en la estructura económica del capitalismo, donde el cometa ejerce una función simbólica que, de igual modo, metaforiza el sufrimiento de la gente frente a las consecuencias de la guerra, cayendo a veces en clichés morales simplistas y un tono didáctico que resta valor al asunto científico. 

Al margen de esto, la actuación de Olaf Fønss me resulta decente al ejercer su registro expresivo para interpretar a un hombre megalómano e inescrupuloso, a pesar de que su personaje queda reducido a la figura de un villano caricaturesco. 

La dirección de Blom, entre otras cosas, consigue depositar algunas de sus virtudes en los decorados de los escenarios y, ante todo, en los efectos especiales que reflejan su ambición visual para representar el caos del desastre natural en las secuencias impactantes de inundaciones, incendios y paisajes desolados de destrucción, utilizando lluvias de chispas de fuego y cortinas de humo en los grandes planos generales. Técnicamente, Blom permite que estas secuencias, encuadradas con la fotografía de Louis Larsen, transmitan una sensación de escala épica y terror existencial en locaciones reales, aunque, por desgracia, son insuficientes para elevar su relato postapocalíptico regular sobre la fragilidad humana. 

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Ficha técnica
Título original: The End of the World (Verdens Undergang)

Año: 1916
Duración: 1 hr. 17 min.
País: Dinamarca
Director: August Blom
Guion: Otto Rung
Música: N/A (muda)
Fotografía: Louis Larsen, Johan Ankerstjerne
Reparto: Alf Blutecher, Olaf Fønss, Johanne Fritz-Petersen, Frederik Jacobsen, Ebba Thomsen
Calificación: 6/10

En la zona gris es una película de Guy Ritchie que constituye, hasta cierto punto, un ejercicio de repetición estilística que manifiesta ya los límites creativos del director británico en el cine de acción. A medida que avanza me doy cuenta de inmediato de que, por añadidura, es un thriller de acción convencional y predecible, que divaga demasiado entre planes estratégicos con los operativos que interpretan Jake Gyllenhaal y Henry Cavill de una manera despreocupada. 

La trama sigue a Sid y Bronco, dos agentes de élite que son contratados por la abogada Rachel Wild para recuperar mil millones de dólares robados por un empresario corrupto llamado Manny Salazar, mientras preparan una operación de extracción en la isla del multimillonario como una medida de escape por si falla la negociación de la deuda. 

En general, esta premisa estructura el relato desde las fórmulas del cine de acción y el thriller de aventura internacional, donde los agentes secretos realizan la misión haciendo uso de sus habilidades especiales para iniciar una campaña de sabotaje, soborno y engaño antes de enfrentar a los enemigos con pistola en mano. 

Sin embargo, el guion no se toma la más mínima molestia de desarrollar a los personajes y, a menudo, opta por reducir sus acciones a una serie de situaciones explicativas que nunc evade las demandas expositivas de los diálogos, donde básicamente se habla más de lo necesario para justificar el conflicto. 

Esto, por definición, me invita a permanecer en un estado de abulia al ver las operaciones secretas de Bronco y Sid para desestabilizar con facilidad los negocios del villano megalómano Salazar; las estrategias de Sid y Bronco con su equipo cuando adquieren un arsenal de armas y vehículos para preparar los distintos planes de contingencia para evacuar a Rachel; la captura de Rachel luego de la victoria legal sobre la incautación de activos de Salazar; la misión nueva de Sid y Bronco para rescatar a Rachel improvisando sobre vías alternativas de escape. Hay conversaciones sobre mentiras, clientelismo, finanzas, corrupción corporativa. Pero el barullo del plan de recuperación se convierte en una escalada de violencia gratuita y coloquios insulsos que solo conducen a secuencias de acción predecibles. 

Los giros argumentales se anuncian con anticipación, y los supuestos "momentos ingeniosos" caen en la redundancia. Además, el asunto se ve atropellado por una falta de ritmo que se videncia a lo largo de esa duración de 98 minutos que pretende ser ágil, pero cuya instancia en explicar cada paso del plan genera un efecto contrario: lentitud intermitente seguida de resoluciones precipitadas en la que los agentes resuelven el problema sin muchas dificultades cuando eliminan a los enemigos. 

Al margen de esto, Cavill y Gyllenhaal demuestran cierta pericia física para las escenas de acción, además de mostrar cierta sinergia como el dúo de especialistas carismáticos que, en su camaradería masculina, hablan en tono sarcástico sobre la logística de la misión; aunque sus personajes —Sid y Bronco— permanecen como arquetipos vacíos: versiones genéricas de esos antihéroes de Ritchie que intercambian insultos juguetones sin transmitir nada sorpresivo. Eiza González, por su parte, sufre el peor tratamiento: su personaje es una “mujer empoderada" que pronuncia declaraciones sin que el guion le otorgue agencia fuera del rasgo estereotipado que la deja de accesorio femenino. 

Técnicamente, la dirección de Ritchie deposita su mayor eficacia en el vestuario elegante, los escenarios exótico-sofisticados y algunas modalidades del encuadre móvil para dinamizar las secuencias de acción con efectos prácticos. Hay cierto desempeño en lo que Ritchie trata de hacer aquí, pero, en última instancia, es insuficiente para extraer algo de potencia de una película superficial que carece de riesgo antes de perderse entre explosiones, persecuciones y tiroteos mecánicos.

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Ficha técnica
Título original: In the Grey

Año: 2026
Duración: 1 hr. 38 min.
País: Reino Unido
Director: Guy Ritchie
Guion: Guy Ritchie, Paul Tamasy, Eric Johnson
Música: Christopher Benstead
Fotografía: Ed Wild
Reparto: Jake Gyllenhaal, Henry Cavill, Eiza González, Kristofer Hivju, Rosamund Pike, Carlos Bardem
Calificación: 5/10

Descubre las reflexiones de Guillermo del Toro sobre creatividad, monstruos y su visión de Frankenstein en esta profunda entrevista BFI.

En una reveladora conversación con el British Film Institute, Guillermo del Toro profundiza en los pilares de su cine: la creatividad como acto de rebeldía y la necesidad de abrazar lo monstruoso. El aclamado director mexicano reflexiona sobre cómo eventos fundamentales de su vida han moldeado su filmografía, desde El laberinto del fauno y Hellboy hasta Pacific Rim y su apasionante versión de Frankenstein.

Del Toro enfatiza que cada película es, en cierto modo, autobiográfica. Explora temas universales como la paternidad, el deseo, el dolor y la redención, defendiendo que los monstruos no deben temerse, sino comprenderse. “Nunca temas a los muertos, teme a los vivos”, afirma, destacando la humanidad en lo grotesco.

Esta entrevista es una masterclass para cineastas y amantes del cine fantástico, donde Del Toro reafirma su compromiso con historias que celebran la diferencia y la imaginación sin límites. 

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A través del fuego es una película que, en cierta medida, supone el regreso de Paul Greengrass a su poética de lo verídico, en un intento de abordar ese cine de catástrofes que discretamente se ha puesto de tendencia en Hollywood en los últimos años. Está basada en el libro de Lizzie Johnson, que describe los eventos reales del Camp Fire ocurridos en la localidad de Paradise en 2018 y que, a la fecha, es el incendio forestal más mortífero en la historia del Estado de California. Las dos horas que dura me mantienen enganchado del asiento porque, francamente, me parece un thriller de desastre que nunca pierde el rastro atrapante con las actuaciones de Matthew McConaughey y America Ferrera, con una trama que reafirma la destreza de Greengrass para retratar los acontecimientos con tensión. 

La trama sigue a Kevin McKay, un conductor de autobús escolar con una vida personal fracturada que se ve repentinamente responsable de evacuar a 22 niños y su maestra, Mary Ludwig, mientras el fuego devora los pueblos cercanos. En general, esta premisa sencilla sirve como base para estructurar la narrativa sobre las fórmulas habituales del cine de catástrofe, donde un hombre ordinario se convierte en un héroe accidental al enfrentar el peligro con su instinto de supervivencia. 

Lo interesante es que Greengrass evita sensacionalismos gratuitos y, a menudo, opta por construir el lado tenso del relato de manera progresiva, dejando el espacio necesario en ciertas escenas para aclarar el arco dramático del protagonista al mostrar sus acciones, añadiendo profundidad al desarrollo del conflicto con unos diálogos que me invitan a reflexionar sobre lo que sucede. 

Por tal razón, permanezco enganchado con los problemas familiares de Kevin como padre que intenta recuperar el vínculo con su hijo adolescente mientras cuida a su madre enferma; las operaciones de los bomberos para extinguir los incendios en las montañas y evacuar las zonas afectadas; la rutina de Kevin al conducir el autobús mientras discute con la directora de transporte por el mantenimiento; el deber de Kevin al manejar el autobús con niños por las autopistas mientras lucha contra el tráfico y habla con la profesora sobre la ruta. Aunque algunas escenas ocurren de forma predecible, la trama me resulta sorpresiva porque, por añadidura, suelta con sutileza los golpes de efecto para equilibrar la odisea del conductor y el infierno de llamas en la zona de evacuación. 

El barullo funciona, entre otras cosas, para elaborar un comentario sobre la paternidad y el impacto medioambiental, entendido como la ética de un hombre ordinario que se enfrenta a circunstancias extraordinarias para superar los miedos intrínsecos que lo llevaron a tomar decisiones erráticas en su vida. Este discurso es correcto al explorar temas como la fragilidad de la vida cotidiana y la solidaridad en tiempos de crisis, aunque pierde profundidad por el sesgo progresista que señala a la empresarialidad como responsable del daño medioambiental. 

Al margen de esto, McConaughey ofrece una actuación bastante orgánica al encarnar a un hombre imperfecto —un padre ausente y trabajador en crisis— que encuentra redención en el servicio a los demás, combinando su presencia física con una vulnerabilidad contenida en sus gestos expresivos. Ferrera, por su parte, aporta una conexión emocional creíble con los niños al interpretar a la profesora determinada. La química entre ambos alcanza momentos de intimidad. 

Técnicamente, la dirección de Greengrass deposita algunas de sus virtudes en el montaje dinámico, el encuadre móvil de una cámara en mano con constante movimiento y, asimismo, los efectos especiales que recrean el incendio aterrador: cielos anaranjados, cenizas flotantes y llamas furiosas; valiéndose de la fotografía solvente de Pål Ulvik Rokseth para subrayar el contraste cálido entre las atmósferas diurnas y la oscuridad infernal. Estos elementos, junto a la banda sonora de James Newton Howard, me hacen sentir el calor, el pánico y la claustrofobia dentro del autobús, como si yo formara parte del grupo vulnerable en la vía de escape. Su película es, sin duda, bien entretenida.

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Ficha técnica
Título original: The Lost Bus

Año: 2025
Duración: 2 hr. 10 min.
País: Estados Unidos
Director: Paul Greengrass
Guion: Brad Ingelsby, Paul Greengrass
Música: James Newton Howard
Fotografía: Pål Ulvik Rokseth
Reparto: Matthew McConaughey, America Ferrera, Ashlie Atkinson, Yul Vazquez
Calificación: 7/10

Saturday Night: La noche que cambió la comedia es una película de Jason Reitman que intenta narrar, en cierta medida, la historia de la noche del estreno de Saturday Night el 11 de octubre de 1975 —más tarde conocido como Saturday Night Live—, el histórico programa de variedades y comedia estadounidense que es transmitido en vivo desde Nueva York por la cadena NBC de forma ininterrumpida desde hace varias décadas. Su metraje de casi dos horas me hace razonar lo suficiente como para saber que Reitman consigue cierta autenticidad mostrando los orígenes de Saturday Night Live con algunos sketches del amplio reparto, pero me da la sensación de que la narrativa es algo dúctil y se habla más de lo necesario detrás de cámaras. 

La trama sigue durante una noche a Lorne Michaels, un productor novato que prepara la emisión del primer episodio de Saturday Night Live, pero cuya preparación choca con un plató caótico plagado de incidentes por la rebeldía de los comediantes del elenco y la indiferencia del equipo técnico. 

En general, la premisa posee un arranque interesante que, en un principio, me llama la atención por la manera en que se narra el barullo sobre las claves de la comedia dramática y la biografía histórica para situar el contexto en el que se desarrolla el asunto. Sin embargo, el guion no se toma en ningún momento la molestia de desarrollar a los personajes lejos de las motivaciones que justifican su presencia y, a menudo, opta por reducir las acciones de ellos a una serie de situaciones predecibles que nunca escapa de la circularidad de diálogos a puerta cerrada sobre inquietudes profesionales de último minuto. 

Por tal razón, no me queda mas remedio que permanecer bajo una abulia que se prolonga con los dilemas de Michaels para para poner las cosas en orden y convencer a los ejecutivos de la viabilidad del show; los chistes de Chevy Chase en los camerinos para burlarse de sus colegas con cierta arrogancia; la alienación de John Belushi que causa problemas para adaptarse; la inexperiencia de los técnicos que operan las cámaras y las pantallas; la decepción de Jim Henson por la forma en que los guionistas rechazan su segmento de los Muppets; los chistes racistas de Garrett Morris antes de cuestionar al grupo de comediantes; las sugerencias de Rosie Shuster para mejorar las escenas cómicas; las dudas del jefe David Tebet sobre la rentabilidad de un show de comedia. Las escenas parecen repetirse en una rutina de discusiones, acuerdos, consejos y monólogos, sin ningún tipo de giro o sorpresa detrás de las dinámicas de los personajes. 

Al margen de las debilidades narrativas, las actuaciones del reparto me parecen particularmente decentes retratando a los célebres comediantes de la tropa del primer SNL, destacándose Gabriel LaBelle, Dylan O'Brien y, muy especialmente, Cory Michael Smith, que se roba unas cuantas escenas interpretando a Chase con su característico humor negro. 

Con el amplio reparto de actores, Reitman elabora un comentario sobre la crisis creativa y los riesgos de producción de los show televisivos, pero, además, deposita algunas de sus virtudes en la puesta en escena a través del diseño de vestuario, la auténtica reproducción del estudio en la época y, asimismo, el uso dinámico del encuadre móvil que se manifiesta con el plano secuencia de una cámara en perpetuo movimiento manejada por la fotografía solvente de Eric Steelberg, que además capta a plenitud las atmósferas del set televisivo. 

Técnicamente, Reitman permite que la película se vea pulida desde la superficie, pero detrás del acabado no puede evitar los tropiezos narrativos que le quitan la gracia a su propuesta cómica sobre el origen de SNL, quedando más bien como un anuncio publicitario por el 50 aniversario.

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Ficha técnica
Título original: Saturday Night

Año: 2024
Duración: 1 hr. 49 min.
País: Estados Unidos
Director: Jason Reitman
Guion: Gil Kenan, Jason Reitman
Música: Jon Batiste
Fotografía: Eric Steelberg
Reparto: Gabriel LaBelle, Dylan O'Brien, Cory Michael Smith, Lamorne Morris, Rachel Sennott, Cooper Hoffman, Matt Wood, J.K. Simmons, Willem Dafoe
Calificación: 5/10

La última película de Roman Polanski, El palacio, supone para mi entendimiento un lamentable descenso en la trayectoria de un cineasta que en su momento supo construir narrativas complejas, incluso con algunos de sus tropiezos de su filmografía. Aquí Polanski, que pasa de los 90 años, intenta volver a la zona de lo satírico. Pero los 100 minutos que tarda en completarse me hacen pensar lo suficiente como para saber que, por desgracia, es la peor película que he visto de Polanski, una comedia negra que satiriza a la élite adinerada de una manera plomiza y particularmente aburrida, como un chiste de mal gusto contado por un borracho en una fiesta navideña. 

La trama, ambientada en la Nochevieja de 1999 en el lujoso hotel Gstaad Palace en Suiza, sigue los dilemas del gerente Hansueli Kopf para poner los preparativos en orden a medida que llegan los ricos invitados de la alta sociedad para hospedarse en las habitaciones, pero cuya administración se ve afectada por los sucesos absurdos y los caprichos de los clientes que lo obligan a tomar medidas para mantener la reputación de cinco estrellas. 

En términos generales, Polanski arregla esta premisa sobre su poética de lo repulsivo para estructurar la narrativa, a menudo construyendo todo bajo las fórmulas de la comedia satírica para interrogar la absurdidad de las costumbres mundanas. Sin embargo, pierde la farsa porque su guion descuida el desarrollo de los personajes más allá de las motivaciones que solo funcionan como excusa para justificar su presencia, además de que reduce las acciones de todos ellos a una serie de viñetas inconexas que, por añadidura, mantiene las situaciones girando sobre los delirios de los huéspedes excéntricos y las labores del personal del hotel. 

En este sentido, cada episodio se muestra de una manera burda que le quita la gracia al asunto entre los deseos de un rico magnate nonagenario que celebra su primer aniversario de bodas con su gorda esposa; un cirujano plástico famoso por desfigurar los rostros de sus pacientes; los gánsteres rusos que se alojan con prostitutas mientras miran por TV la dimisión de Boris Yeltsin y el traspaso de poder a Vladimir Putin; la lascivia de una marquesa que adora a su perro más que a los humanos; la soberbia de un dandi norteamericano que alardea de su "riqueza" y busca hacer negocios con un banquero. 

Las desventuras caóticas de las escenas muestran vicios, lujos, vómitos, mentiras, sexo, muerte, secretos, fiestas, pingüinos. Hasta se habla de esquemas financieros relacionados con el bug Y2K. Pero la ausencia de arcos coherentes convierten el barullo en una sucesión de sketches disparejos que carecen de humor. 

Polanski solo utiliza el retrato coral con el propósito, supongo, de dialogar con cierta ironía sobre la fragilidad de las estructuras de poder europeas, entendido como la reunión de los burócratas corruptos y los empresarios corporativos que, con sus prácticas repulsivas, son los artífices de la decadencia europea financiada con capitalismo clientelar, donde la vacuidad de la riqueza opera como un telón de fondo para señalar a los culpables de la Unión Europea. Su crítica social tiene cierta veracidad al cuestionar, desde el contexto del 2000, a los responsables de la tercermundización, la islamización, la inmigración masiva y la crisis de identidad que actualmente destruye las sociedades europeas bajo el pretexto de "derechos humanos". El problema de su discurso es que es demasiado tibio como para tomarlo en serio. 

Al margen de estos inconvenientes, descubro actuaciones aceptables de Oliver Masucci y John Cleese, sobre todo al mostrar a sus personajes absurdos como caricaturas de la debacle moral. 

Desde el punto de vista técnico, la dirección de Polanski deposita ligeras virtudes en los decorados ampulosos de la dirección de arte y en la fotografía de Pawel Edelman que recurre a tonos cálidos y colores saturados para acentuar la fealdad del entorno artificial del hotel. Estos elementos, sin embargo, no son suficientes para elevar su propuesta de vulgaridad gratuita y comicidad abúlica.

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Ficha técnica
Título original: The Palace
Año: 2023
Duración: 1 hr. 40 min.
País: Italia
Director: Roman Polanski
Guion: Roman Polanski, Jerzy Skolimowski, Eva Piaskowska
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Pawel Edelman
Reparto: Oliver Masucci, Fanny Ardant, John Cleese, Joaquim de Almeida, Bronwyn James, Luca Barbareschi, Mickey Rourke
Calificación: 4/10