Cinefilia: Animación

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Tras pasar más de dos décadas sin ver el maravilloso anime de Slam Dunk, me acerco a las imágenes que ofrece The First Slam Dunk, una película animada que supone el debut como director del propio Takehiko Inoue y que, además, adapta casi en su totalidad el arco final del manga. Se dice que Inoue quería que la película se sintiera específicamente como si el manga en sí estuviera en movimiento. Y de alguna manera lo consigue. Las dos horas que dura el partido de baloncesto, renderizado con un sólido trabajo de animación que redefine el estándar en el género deportivo, avanza a un ritmo trepidante que nunca pierde el pulso ni la emoción, con unos personajes genuinos que se sienten vivos con su energía juvenil y juegan como si intentaran superar los obstáculos del dolor, la culpa y la pérdida.

A diferencia de la serie, el argumento se desarrolla desde la perspectiva de Ryota Miyagi, el veloz y arrogante base armador del equipo de baloncesto de la escuela secundaria Shohoku que juega junto a sus compañeros el partido de segunda ronda del campeonato nacional contra los invencibles campeones de la preparatoria Sannoh, mientras rememora los días posteriores al fallecimiento del hermano mayor que lo motivó a jugar baloncesto como una pasión en la vida.

En general, esta decisión narrativa resulta ser un acierto, ya que permite explorar un personaje que, aunque siempre fue clave en el manga y el anime, nunca había tenido un trasfondo tan profundo. A través de su mira, la trama me sumerge en el pasado de Ryota, la relación con su familia y el peso emocional que carga consigo al perseguir el sueño perdido de su difunto hermano de ser un jugador profesional, en un juego de baloncesto que se convierte en un motivo para este vivir con el sufrimiento y superarlo.

El desarrollo del resto de los personajes, de igual modo, es bastante sutil. No solo Ryota cobra una dimensión más humana y emotiva, sino que cada miembro del equipo Shohoku brilla con su propia personalidad y motivaciones. Hanamichi Sakuragi mantiene su carisma y la actitud irreverente que proporciona un alivio cómico, mientras que Rukawa, Akagi y Mitsui aportan esa combinación de talento, determinación y espíritu competitivo que hizo grande a la obra original. Todos tienen una motivación para jugar ese partido como si fuera el último.

A través de su química en la cancha, la narración capta la esencia de la camaradería y la dinámica colectiva que define un deporte como el baloncesto, además de mostrar, en su registro discursivo, la manera en que este funciona como una especie de catarsis para subsanar las heridas personales. Hay discusiones acaloradas, estrategias defensivas, jugadas ofensivas, cansancio, donqueos, tiros de tres puntos, bloqueos, rebotes del balón. Inoue opta por un enfoque mesurado, ágil, que distribuye el material con cierta consistencia a medida que se intercalan las escenas retrospectivas de los recuerdos familiares de Ryota con las secuencias del partido contra Sannoh.

Lo más importante, quizás, es la estética animada que fusiona el CGI con la animación tradicional para evocar un estilo visual que no solo redenderiza con fidelidad el diseño de los personajes sacados del manga, sino, también, la intensidad de un partido de baloncesto que se ensambla sobre velocidad y fluidez.

Inoue se preocupa por otorgarle una especial atención al detalle a todo lo que sucede, desde el sudor en los jugadores hasta la tensión en sus miradas. Todo está trabajado con un nivel de autenticidad que, por alguna extraña razón, siempre me transmiten la sensación de estar dentro del partido, viviendo cada pase y cada canasta como si se tratara de la final de un campeonato real. La experiencia es acompañada, asimismo, con inmersivos efectos de sonido y una banda sonora de Satoshi Takebe que se integra notablemente en los momentos introspectivos y de mayor adrenalina. Se trata, sin temor a equivocarme, de una de las mejores películas de animación deportiva que he visto.

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Ficha técnica
Título original: The First Slam Dunk (Eiga Slam Dunk)

Año: 2022
Duración: 2 hr. 04 min.
País: Japón
Director: Takehiko Inoue
Guion: Takehiko Inoue

Música: Satoshi Takebe
Fotografía: Shunsuke Nakamura
Reparto (voces): Shugo Nakamura, Jun Kasama, Shinichiro Kamio, Subaru Kimura, Kenta Miyake

Calificación: 8/10

Initial D: Third Stage es una película de anime basada en el manga de coches ilustrado por Shuichi Shigeno y que he visto, dicho sea de paso, por mi necesidad de continuar viendo la seria animada que fue todo un fenómeno en la cultura popular durante los días de su estreno. No se trata de algo fuera de lo común, pero es una cinta de anime bastante entretenida que me atrapa de inmediato por su estilo de animación, personajes entrañables y carreras de derrape que avanzan a un ritmo endemoniado con pistas de eurobeat.

El argumento recoge la parte final del arco de Akina's Eight-Six de Second Stage y muestra a Takumi en su último año de la escuela secundaria en la prefectura de Gunma, mientras evalúa la oferta de Ryosuke de unirse a un grupo de corredores para retar oponentes de distintas prefecturas de Japón y, sobre todo, aprovecha los cambios del AE86 para poner a prueba sus nuevas habilidades de conducción retando a diferentes conductores a la medianoche, junto a los inseparables amigos (Itsuki, Iketani y Kenji) que observan sus hazañas desde el otro lado de la carretera.

La fórmula empleada por Noboru Mitsusawa, dentro de los límites previsibles de su narrativa, me resulta atrapante porque sigue de cerca los orígenes estilísticos de las dos primeras temporadas del anime y nunca pierde el factor de sorpresa cuando el protagonista enfrenta de forma temeraria a otros choferes en competencias de drift para demostrar que es el mejor piloto, donde todo el engranaje de acciones se reduce a las secuencias de las carreras clandestinas por las montañas que dejan su huella con atmósferas nocturnas acentuadas por el clima y un amplio soundtrack de eurobeat, las pausas estacionarias con alivio cómico en la estación de combustible, los instantes de reconciliación con aroma a mayoría de edad en la que los adolescentes abrazan el melodrama otoñal.

De esa forma para mí no es muy difícil sentirme impresionado en cada una de las escenas, como en la carrera que termina el duelo entre Takumi y Kyoichi Sudo en su Lancer Evolution por los caminos de Irohazaka, la batalla por curvas imposibles entre Takumi con el conductor del SW20 azul llamado Kai Kogashiwa (en la que los golpes de efecto surgen de reflexiones paternales en clave de flashbacks), la revancha entre Takumi y Ryosuke, la persecución para rescatar a Natsuki por el acosador de la nieve que conduce un Celica, la graduación en la que Takumi reflexiona sobre su futuro de ser un conductor profesional.

Todo se compensa, además, con un trabajo animado que es bien consistente combinando los detalles de la animación tradicional para modelar el diseño de los personajes con los escenarios que redenderiza en 3D los automóviles que atraviesan las calles generadas por ordenador. También con un doblaje que, incluso sin saber japonés más allá de lo que me enseña Google, me parece contagioso describiendo las características de cada personaje.

Aunque el uso de la elipsis a veces me resulta algo abrupto trasladando las situaciones a varios lugares, no dejo de pensar ni por un segundo que se trata de una estupenda película de animación, una que retiene la esencia del anime y me obliga a quedarme, propiamente dicho, con esa sensación de buscar a toda velocidad la continuación en formato de anime.

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Ficha técnica
Título original: Initial D: Third Stage
Año: 2001
Duración: 1 hr. 43 min.
País: Japón
Director: Noboru Mitsusawa
Guion: Shuichi Shigeno
Música: Every Little Thing, Ryuichi Katsumata
Fotografía: Animación
Reparto (voces): Shin'ichirô Miki, Takehito Koyasu, Mitsuo Iwata, Nobuyuki Hiyama, Ayako Kawasumi
Calificación: 7/10

En Klaus, ópera prima del director español Sergio Pablos, recupero un poco la fe pérdida hace ya muchos años sobre la fábula navideña de Santa Claus. No se trata, en mi opinión, de una película fuera de serie o de algo que no haya visto antes, pero posee una animación espléndida que sirve de fondo para reescribir el mito de Santa Claus con unos personajes agradables que alcanzan su mayor punto emotivo en su retrato navideño sobre la bondad y el valor de los actos desinteresados, donde en todo momento me mantengo atento a lo que sucede como un niño que espera los juguetes frente a la chimenea antes de la medianoche.

La trama se sitúa en el siglo XIX y trata sobre Jesper, un cartero holgazán y algo egoísta de la academia postal que es obligado por su padre a viajar en contra de su voluntad a un pueblo remoto ubicado en una isla del círculo polar, con la misión de entregar 6000 cartas en un año para impedir que lo deshereden, pero cuyo grado de dificultad se incrementa al darse cuenta de que los habitantes no intercambian correspondencia porque, entre otras cosas, se encuentran divididos en dos clanes que sostienen un conflicto desde tiempos inmemoriales ocasionado por el el odio y el resentimiento.

En general, las experiencias de Jesper me resultan contagiosas a partir del instante en que conoce a Klaus; un carpintero ermitaño, corpulento, reservado, con la barba blanca y un aspecto misterioso, que reside en una cabaña repleta de juguetes situada en los bosques más alejados de la montaña de la isla Smeerensburg y con el que, aparentemente, descubre la fuerza de la generosidad cuando decide llevar las correspondencias de los niños tristes que recuperan la felicidad al recibir los juguetes que él mismo fabrica.

El tono de humor y las situaciones divertidas mantienen cierto nivel de consistencia con el buen trabajo de doblaje, en una narrativa en la que Pablos se olvida de la magia y de los renos voladores para reinventar la leyenda de Papá Noel con un trato aterrizado que dota de realismo (dentro de los marcos limítrofes de su fantasía) los elementos tradicionales que la componen, especialmente la manera en que el personaje responde al llamado del deber para sanar las heridas del pasado y redescubrirse a sí mismo con una buena causa moral detrás de su motivación: el altruismo de obsequiar los juguetes para que los niños inocentes [que tanto deseaba tener con su difunta esposa] sean felices una vez más.

Lo consigue, en la superficie, bajo unos escenarios que en un principio contrastan el espíritu jovial de la navidad a través paisajes atmosféricos y espacios lúgubres de tinta gótica, además de ilustrar el cuento con una animación tradicional que añade iluminación volumétrica a las texturas de esos personajes que parecen renderizados con los rasgos típicos de la cultura escandinava.

A pesar de algunas escenas predecibles y los villanos estereotipados, el viaje navideño nunca abandona la chispa de la diversión y su clímax, en el que el anciano regresa a la eternidad como hojas en el viento, es una cosa muy poética que me saca unas cuantas lágrimas con su música empática y que, a decir verdad, no olvidaré durante mucho tiempo.

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Ficha técnica
Título original: Klaus

Año: 2019

Duración: 1 hr 36 min
País: España
Director: Sergio Pablos

Guion: Sergio Pablos, Zach Lewis, Jim Mahoney

Música: Alfonso G. Aguilar
Fotografía: Animación
Reparto (voces): Jason Schwartzman, J. K. Simmons, Rashida Jones, Will Sasso
Calificación: 7/10

No sé si pueda colocar a Raya y el último dragón en la cima de la pirámide de cintas animadas de Disney, pero es una película que funciona adecuadamente dentro de los estándares básicos que ellos ofrecen con cierta regularidad todos los años. La aventura de esta nueva princesa de Disney está contada con gracia, sencillez y una animación tan voluble como el agua que me hace pasar un rato bastante agradable y, de vez en cuando, también me pone cavilar con su moraleja sobre la esperanza, la confianza y el poder de los vínculos humanos. En términos estéticos, comparte ciertas similitudes con Mulán.

Para empezar la protagonista es una joven asiática, y su aventura se ambienta en un mundo fantástico que comparte rasgos culturales muy particulares de la mitología del sudeste asiático. Su nombre es Raya, una princesa guerrera de la tierra de Kumandra que, tras la ruptura de los cinco reinos que componen el ecosistema que ella habita (Colmillo, Corazón, Columna, Garra y Cola), transita por los páramos en busca de un dragón legendario con el fin de recuperar la gema de este que tiene el poder de traer de vuelta a su padre y desterrar a unos espíritus malignos conocidos como Druuns que convierten en piedra a todas las personas que tocan en cada región, mientras es perseguida por la rival de un reino vecino que busca lo mismo y entabla unas cuantas amistades que la ayudan a superar unos cuantos obstáculos durante el viaje.

Aunque la trama se estructura siguiendo las fórmulas habituales de Disney que a veces son algo previsibles, en el camino desecha algunas mañas innecesarias para fortalecer a su protagonista femenina. El personaje de Raya es presentado como una muchacha fuerte, intrépida y lo suficientemente independiente como para valerse por sí misma, aplicando siempre sus habilidades en artes marciales para combatir contra el enemigo y escapar de las situaciones más peligrosas al lado de unos secundarios peculiares, entre los que se halla la dragona amistosa y despistada llamada Sisu, el niño huérfano Boun que dirige un restaurante flotante, y una pequeña estafadora rodeada de monos que se llama Little Noi.

Todos ellos son personajes que me entretienen cuando intentan cambiar el mundo deshecho. Se nota el compromiso detrás del doblaje en inglés del reparto encabezado por Kelly Marie Tran y Awkwafina, cuyas voces me resultan contagiosas describiendo las inquietudes de los personajes.

La aventura avanza con un buen ritmo, una música melodiosa y bastante sensible de James Newton Howard; y, sobre todo, cuenta con un trabajo de animación que es muy sólido renderizando en 3D los escenarios, las secuencias de acción y la rica diversidad étnica con la que se diseña cada uno de los modelos de los estereotipos asiáticos. En muy pocas ocasiones me quedo petrificado con su fábula asiática. Su cuento de empoderamiento femenino me parece emotivo, bello y tan ágil como un ninja en acción.

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Ficha técnica
Título original: Raya and the Last Dragon
Año: 2021
Duración: 1 hr 47 min
País: Estados Unidos
Director: Don Hall, Carlos López Estrada, Paul Briggs, John Ripa
Guion: Qui Nguyen, Adele Lim
Música: James Newton Howard
Fotografía: Rob Dressel
Reparto: Kelly Marie Tran, Awkwafina, Izaac Wang, Gemma Chan
Calificación: 7/10

No creo para nada que Encanto se encuentre en la cima de las películas de Disney, sobre todo porque a veces atraviesa los terrenos comunes de la fórmula preestablecida por el estudio que ya alcanza la cifra número sesenta, pero me parece una película animada encantadora que abraza, a ritmo de cantos y colores tropicales, una metáfora aleccionadora sobre la reconciliación, el empoderamiento femenino y los lazos de la familia latinoamericana que huye de las secuelas de la inmigración. Si bien, sigue esa tendencia de retratar los diversos estereotipos hispanos con cierta pretensión, la mezcla me resulta agradable por la manera en que se presentan las ocurrencias cotidianas de una familia tradicional colombiana desde la óptica de una muchacha peculiar.

Cuenta la historia de Mirabel, una jovencita de pelo rizado y con anteojos que sufre en silencio por ser la única representante de su familia que no nació con poderes mágicos, pero que, a pesar de todo, siempre se muestra dispuesta a ayudar a las demás personas de Encanto, un pueblecito escondido entre montañas que oculta una fuente de magia secreta.

Con un estilo visual bastante colorido y unos números musicales contagiosos, paso un rato agradable viendo a esa muchacha alegre intentando reconciliarse con la familia que la excluye por carecer de poderes, mientras discute con la abuela exigente atrapada por el pasado y se dispone a encontrar el origen de una profecía que anuncia el resquebrajamiento de los poderes mágicos de la familia.

El ritmo de su fábula costumbrista es acogedor, narrado con una sencillez que equilibra los momentos más entretenidos con humor cálido, emotividad y sentido de maravilla. Y encuentro oportuno el comentario que señala la determinación de la adolescente para valerse por sí misma ante los duros episodios de la vida, así como la fortaleza de la solidaridad que impide que se agrieten las heridas familiares en los momentos difíciles, algo que comunica espléndidamente que el verdadero don radica en los lazos que unifican el núcleo de la familia.

Destaco el diseño de los personajes animados de ojos saltones que homenajean a los estereotipos más latinoamericanos, las canciones compuestas por Lin-Manuel Miranda que son recitadas melodiosamente para desarrollar los conflictos internos de los personajes y el doblaje acertado de Stephanie Beatriz, John Leguizamo y María Cecilia Botero. En algunos instantes puede resultarme un poco obvia la aventura de la heroína sin poderes, pero es una película animada narrada con buenas intenciones y corazón de realismo mágico.

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Ficha técnica

Título original: Encanto
Año: 2021
Duración: 1 hr 42 min
País: Estados Unidos
Director: Jared Bush, Byron Howard, Charise Castro Smith
Guion: Jared Bush, Charise Castro Smith
Música: Germaine Franco
Fotografía: Alessandro Jacomini, Daniel Rice, Nathan Warner
Reparto (voces): Stephanie Beatriz, María Cecilia Botero, John Leguizamo,
Calificación: 7/10

Desconozco si Demon Slayer: El tren infinito es de las mejores cosas que le pudo pasar al fatídico 2020, esa tarea me temo que corresponde a los estadistas de la taquilla, pero como seguidor de la serie, considero que es una película de anime bastante entretenida que, en cierta medida, me impresiona durante dos horas con su estilizado trabajo de animación y un argumento de fantasía oscura sobre los sueños y la familia. Es una secuela directa del anime de 26 capítulos basado en el manga popular de Koyoharu Gotōge, estrenado en 2019. La dirige Haruo Sotozaki, director de la predecesora y cuya filmografía desconozco, pero a juzgar por lo que veo hay que echarle un ojo.

Su trama sigue a Tanjiro, su hermana Nezuko, Inosuke y Zenitsu mientras acompañan a Kyōjurō Rengoku, uno de los pilares de los cazadores de demonios, para investigar las desapariciones de personas que ocurren a bordo de un tren a lo largo de la medianoche. Se presenta con un tono atmosférico y muy onírico, desarrollando el argumento en los interiores de ese tren que corre a toda marcha hacia lo desconocido.

Hay giros inesperados que remontan a películas anime de temáticas similares como Paprika (Kon, 2006.) una vez que los protagonistas caen dormidos por culpa de un villano retorcido y comparten los sueños y los secretos más íntimos que se gestan en el núcleo del inconsciente, pero ilustrados, deliberadamente, con los mecanismos habituales del nekketsu y de la fantasía oscura que, a veces, hace que la aventura nunca pierda el ritmo cuando superan los obstáculos con el filo de la katana, las técnicas elementales y el trabajo en equipo.

Las dos horas pasan volando. Y las secuencias de acción están ejecutadas con mucha solvencia bajo la animación deslumbrante característica de Ufotable, cuyo estilo visual emplea una mezcla de 2D con el 3D para trazar el diseño colorido y los movimientos de los personajes, así como también los escenarios fantásticos que atraviesan ellos en los instantes de pesadilla, en las entrañas de un tren infernal que a ratos me abre las retinas.

Quizá se vuelve un poco previsible en algunos pasajes y el clímax se extiende un poco más allá de lo necesario, pero su humor y su simplicidad nunca pierden la fuerza emocional, sobre todo cuando Tanjiro y sus amigos, en medio de la adversidad, maduran y se sacrifican para proteger a sus seres queridos.

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Ficha técnica
Título original: Demon Slayer Kimetsu no Yaiba - The Mugen Train (Kimetsu no Yaiba Movie Mugen Ressha-hen)
Año: 2020

Duración: 1 hr 56 min

País: Japón

Director: Haruo Sotozaki

Guion: Koyoharu Gotōge

Música: Yuki Kajiura, Go Shiina

Fotografía: Yuichi Terao

Reparto (voces): Natsuki Hanae, Yoshitsugu Matsuoka, Hiro Shimono

Calificación: 7/10

No sé de dónde es que Pete Docter saca las ideas para sus películas animadas de Pixar, imagino que, de su interés temprano por la filosofía, pero a decir verdad me parecen ingeniosas, tal y como lo ha demostrado en Monsters, Inc., Intensamente y la fascinante Up. Al combo sumo su más reciente producción, Soul, una película animada que me contagia cuando aborda con sensibilidad y gracia un concepto bastante ingenioso que celebra el valor de la vida humana, a través de un personaje peculiar que me hace pasar un rato placentero cuando me presenta su aventura.

El protagonista es Joe Gardner, un pianista y profesor de música afroamericano que tiene una vida rutinaria que lo deja insatisfecho consigo mismo, lamentando en todo momento la imposibilidad de conquistar sus sueños de tener una carrera músico jazzista.

La trama detona un acontecimiento que cambia la vida de Joe cuando cae por una alcantarilla neoyorquina y llega hacia el más allá, un mundo espiritual en el que adquiere la forma inmaterial de su propia alma y se propone volver a su cuerpo para cumplir el sueño pendiente.

El concepto no solo le sirve a Docter para dibujar, literalmente, a un personaje de tres dimensiones que descubre la fuerza de la autoaceptación y aprende a valorar lo que tiene para ser una mejor versión de sí mismo, sino también para dialogar filosóficamente sobre temas metafísicos relacionados a la vida, la muerte, la reencarnación y el propósito de la existencia humana en un mundo donde la falta de oportunidades está a la vuelta de la esquina, así como un homenaje discreto a la cultura del jazz. Su mirada intimista se construye por medio de personajes agradables, situaciones inesperadas que logran sorprenderme y un mundo astral poblado de almas azuladas y etéreas y terrenos fantásticos que por un instante me hacen creer en el más allá, además de que aprovecha esa música empática de Trent Reznor y Atticus Ross para magnificar los sentimientos intrínsecos y las inquietudes de los protagonistas.

El diseño de los personajes se aleja diametralmente de la tipificación del afroamericano en las caricaturas norteamericanas. El trabajo de voces de Jamie Foxx y Tina Fey le añade una capa de autenticidad a las cosas que dicen con esos diálogos que tienen vocación por la sutileza. No sé si se trate de una de las mejores del catálogo de Pixar, pero su visión es original y muy emotiva.

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Ficha técnica

Título original: Soul

Año: 2020

Duración: 1 hr 40 min

País: Estados Unidos

Director: Pete Docter, Kemp Powers

Guion: Pete Docter, Mike Jones, Kemp Powers

Música: Trent Reznor, Atticus Ross, Jonathan Batiste

Fotografía: Matt Aspbury, Ian Megibben

Reparto (voces): Jamie Foxx, Tina Fey, Graham Norton

Calificación: 7/10

Aunque no tenía muchas expectativas, reconozco que me llevo una sorpresa agradable al ver Wolfwalkers: Espíritu del lobo, una película animada de fantasía y aventura que, de una manera espléndida y alegórica, ilustra tópicos muy actuales sobre la independencia femenina y el valor de los vínculos familiares, dibujada con una historia entretenida y personajes entrañables que me hacen pasar un rato agradable con sus ocurrencias. Se trata de la tercera y última entrega de la 'trilogía del folclore irlandés' iniciada por el cineasta e ilustrador irlandés Tomm Moore, luego de El secreto de Kells y La canción del mar. La codirige también el debutante Ross Stewart.

Se ambienta en Irlanda en 1650 y me relata un fragmento de la existencia de Robyn Goodfellowe, una joven inglesa que viaja hasta un pueblo remoto al lado de su padre para cazar, por orden de un señor feudal megalómano, una manada de lobeznos que atemoriza la villa. La trama la presenta como una niña que descubre la fuerza de la amistad y la naturaleza mitológica que rodea a la aldea al rescatar y hacerse amiga de Mebh, una niña salvaje y de espíritu libre que pertenece a los "Wolfwalkers", una tribu de gente que vive en el bosque y puede transformarse en lobo una vez que se duerme. Como protagonista es una heroína idealista y muy amistosa que cuestiona el orden patriarcal ortodoxo y anhela liberarse de los roles establecidos en la comunidad para las mujeres.

En la travesía encuentro sorpresas, situaciones divertidas y personajes secundarios ingeniosos. El estilo visual es colorido y tiene una predisposición hacia el paisaje fabulesco en cada escenario, empleando mucho el color rojo para resaltar la ira de los villanos y el color amarillo para simbolizar el optimismo que une a las protagonistas.

También es muy eficaz el uso del plano subjetivo para enunciar el estado de despersonalización de la protagonista una vez que su alma sale del cuerpo y adquiere la forma de un lobo. La música empática conquista mis odios, particularmente con la melodiosa canción 'Running With The Wolves', de Aurora. El concepto me parece original. Y el trabajo de doblaje de Honor Kneafsey, Eva Whittaker y Sean Bean desprende autenticidad.

No sé si el dibujo sea completamente de mi agrado, a veces luce muy cubista con ese estilo tradicional de Cartoon Saloon, pero no deja de parecerme una película fantástica. Su gracia me contagia durante una hora y media de magia y folclore medieval.

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Ficha técnica

Título original: WolfWalkers

Año: 2020

País: Irlanda

Director: Tomm Moore, Ross Stewart

Guion: Will Collins

Música: Bruno Coulais, Kíla

Fotografía:

Reparto (voces): Honor Kneafsey, Eva Whittaker, Sean Bean

Calificación: 7/10

Ponyo y el secreto de la sirenita es una película animada de Haya Miyazaki que me saca una sonrisa y me hace pasar un rato muy placentero con una fantasía infantil que es tan voluble como la forma del agua. Se trata de la octava película animada de Miyazaki con el estudio Ghibli. A juzgar por lo que veo, me da la impresión de que Miyazaki, quien escribe el guión, actualiza el cuento de hadas 'La sirenita', de Hans Christian Andersen.

Me cuenta la historia de Sosuke, un niño de cinco años que vive con su madre, Lisa, en un pueblo pesquero. La mayor parte del argumento se centra en el vínculo desarrollado entre Sosuke y Brunilda, una sirenita a la que llama Ponyo, descubierta en un frasco de vidrio a orillas de una playa luego de que esta intentara escapar de las garras de Fujimoto, un hechicero y científico que alguna vez fue humano y que vive en bajo la superficie marina en su laboratorio. Sosuke es un niño curioso y reservado; Ponyo es, en cambio, alegre e ingenua. Y me agrada ver a esos personajes comprender el valor de la amistad frente a la tempestad que amenaza con separarlos, huyendo del mago que desea recuperar a Ponyo, siendo testigos de los poderes mágicos que despierta Ponyo a medida que interactúa con humanos y aprende a comportarse como una niña genuina.

Tiene sorpresas, lirismo, olas parlantes, animada con un estilo visual muy hermoso que reanima mi fe por la animación clásica y unas secuencias maravillosas, como la persecución en la que Ponyo corre encima de un tsunami de peces para reencontrarse con el compañero que huye con su madre por la autopista mojada.

Los personajes le permiten a Miyazaki esbozar temas como el amor, la amistad y el significado de la inocencia, pero de manera subterránea subraya también sus preocupaciones naturalistas sobre el cuidado del medioambiente y la protección de los océanos, comunicando sutilmente que nuestra enemistad con la madre naturaleza puede tener sus consecuencias. La simbólica unión entre Sosuke y Ponyo acentúa el optimismo. La música de Joe Hisaishi, fuertemente influenciada por Wagner, alegra mis oídos mientras mis ojos disfrutan de los bellos paisajes dibujados a mano con lápices de colores. El ritmo corre tan rápido como una ola. Es una emotiva película animada de Miyazaki, una que ilustra con sutileza el universo de la niñez.

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Ficha técnica
Título original: Ponyo (Gake no ue no Ponyo)

Año: 2008

Duración: 1 hr 42 min

País: Japón

Director: Hayao Miyazaki

Guion: Hayao Miyazaki

Música: Joe Hisaishi

Fotografía: Animación, Atsushi Okui

Reparto (voces): Tomoko Yamaguchi, Kazushige Nagashima, Yūki Amami,

Calificación: 7/10

No puedo evitar el impacto, la catarsis, la sensación ineludible de sentirme conmovido y cautivado al ver las duras imágenes de Vals con Bashir, el drama bélico con estética de documental animado del director israelí Ari Folman. Por cosas de la vida no lo pude ver cuando se estrenó hace más de 12 años, pero lo he visto hoy gracias a la generosidad que provee la internet y no dejo de pensar en que he atestiguado algo impresionante.

A mi parecer, se trata de una poderosísima película sobre los horrores de la guerra y los efectos corrosivos de la deshumanización, contada con un ritmo trepidante y un estilo de animación espléndido que captura, desde distintos puntos de vista, los corolarios de la Guerra del Líbano que desencadenaron la matanza de refugiados palestinos en Sabra y Chatila en 1982.

Lo cuenta a través de Ari Folman (una versión ficcionalizada del cineasta), un hombre que viaja a diferentes lugares mientras intenta recuperar los recuerdos perdidos de sus experiencias como soldado de la FDI durante la Guerra del Líbano en 1982. En medio de la travesía, constantemente es azotado por pesadillas que lo atormentan y amplifican su trastorno de estrés postraumático cuando se muestra una visión recurrente de él y sus camaradas de la milicia mientras se bañan de noche junto al mar en Beirut bajo la luz de las bengalas que descienden sobre la ciudad.

Es un personaje con una identidad fragmentada por las consecuencias de la guerra, golpeado por una culpa reprimida que amenaza con rememorar la atrocidad. Su personalidad se desarrolla a través de las entrevistas que sostiene con diversos colegas que participaron en la guerra como militares, periodistas, terapeutas.

El rompecabezas psicológico se ensambla con las escenas retrospectivas de los entrevistados que describen la inmoralidad de los soldados en medio del exterminio, la subjetividad que ofrece una mirada escalofriante y desoladora de la beligerancia, la innovadora animación de Yoni Goodman que consigue detalles fascinantes con los claroscuros y los diseños de los personajes, la melodiosa banda sonora minimalista de Max Richter que amplía la carga emocional del asunto, la colorización sepia, las metáforas que señalan en todo momento a los verdaderos perros rabiosos (símbolo de la indignación al permitir que los criminales de la Falange Libanesa perpetraran el genocidio).

El tono es angustioso, confrontativo, inquietante, surrealista. Cada pedazo del encuadre parece sacado del corazón de las tinieblas cuando Folman crea un híbrido ingenioso entre el documental animado y el drama bélico. Me parece una experiencia tan devastadora como alucinante cuando ilustra, con mucha crudeza, el panorama deshumanizante de una conflagración ocasionada por asuntos políticos.

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Ficha técnica
Título original: Waltz with Bashir (Vals Im Bashir)

Año: 2008

Duración: 1 hr 30 min

País: Israel

Director: Ari Folman

Guion: Ari Folman

Música: Max Richter

Fotografía: Yoni Goodman

Reparto (voces): Ari Folman, Ron Ben-Yishai, Ronny Dayag

Calificación: 8/10

Como soy un entusiasta del cine de animación en todas sus vertientes, me causa una estupenda impresión lo que observo en 'Las trillizas de Belleville', la película animada francesa con la que debuta el director Sylvain Chomet. Me arrepiento de no haberla visto antes.

Relata la historia de Madame Souza, una señora que vive en un pequeño barrio francés junto a su nieto adoptivo Champion y su perro Bruno, con los que solitariamente mira dibujos animados de los años 30 sobre unas famosas trillizas de music-hall. Un día, la existencia de doña Souza se complica cuando su nieto, Champion, participa en una carrera de ciclistas en el Tour de Francia y es secuestrado por dos hombres misteriosos vestidos de negro, por lo que sale a buscarlo junto a su obeso perro bruno.

Durante la aventura, me veo cautivado por las acciones de la bondadosa anciana cuando se topa con gente apática, obsesa, mezquina y de algún modo, olvidada, en una ciudad de Belleville que claramente caricaturiza la decadencia de Nueva York. La trama es decididamente simple, pero es muy interesante por los mecanismos estéticos que despliega Chomet.

Como si se tratara de un film mudo, contiene pocos diálogos, recurre a los ruidos para darle profundidad a las emociones, emplea la música diegética para señalar pensamientos, utiliza la pantomima para que los personajes pronuncien sus intenciones, dibuja el agitado entorno urbano de la metrópoli como un lugar sórdido y decadente, y los personajes en ocasiones simbolizan a distintos animales y estereotipos norteamericanos con el fin, supongo, de enunciar diversos subtextos sobre las consecuencias del consumismo, la falsa felicidad, la avaricia desmedida, la diferencia de clases sociales, las trampas de la fama, el paso del tiempo y los efectos de la vejez. El ritmo me resulta placentero cuando preserva las sorpresas. El estilo visual es absurdo, con minúsculos momentos surrealistas.

Y me agrada bastante el tierno diseño de la abuela, del perro Bruno y de las trillizas que parecen unas brujas. También hay múltiples alusiones a películas de Tati, a Lino Ventura, a Buster Keaton y figuras musicales como Josephine Baker y Django Reinhardt. Es una película de animación entretenida, ingeniosa, oscura, poblada de personajes peculiares y de un comentario social muy sutil sobre el sacrificio materno y los excesos del capitalismo.

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Ficha técnica

Título original: Les triplettes de Belleville

Año: 2003

Duración: 1 hr 20 min

País: Francia

Director: Sylvain Chomet

Guion: Sylvain Chomet

Música: Benoît Charest

Fotografía: Animación

Reparto (voces): Michèle Caucheteux, Jean-Claude Donda, Michel Robin

Calificación: 7/10

Para olvidarme un poco de mi monótona existencia vi Frozen 2, una secuela animada bella y muy entretenida que me hace pasar un rato agradable durante una hora y media mágica. Al igual que con la antecesora, disfruto bastante lo que veo cuando detrás de la fantasía ampulosa se componen metáforas que hablan sobre la inseguridad, la hermandad y el empoderamiento femenino.

La fábula se sitúa tres años después de los eventos de la predecesora, donde Anna, Elsa, Kristoff, Olaf y Sven viven en medio de una cotidianidad feliz y llena de paz en el reino de Arendelle. Pero la felicidad se tiñe de problemas cuando Elsa se ve perturbada por el canto de una sirena que viene desde una tierra lejana y está encadenada con su pasado. Así que para solventar el misterio las heroínas se disponen abandonar el pueblo para viajar a un antiguo bosque encantado donde se hallan todas las respuestas sobre los orígenes de los poderes de la princesa helada. Cuando emprenden el viaje me siento como un niño enganchado una vez más por la fórmula de Disney, viéndolos atravesar el peligroso bosque y topándose con personajes secundarios muy peculiares que amplifican el tono jovial y sorpresivo de la aventura.

En lo visual, la animación me parece magnífica creando ese mundo mágico tridimensional, junto con los diseños de los personajes. Y en lo sonoro me dejo contagiar por actos musicales que, a pesar de extenderse innecesariamente, consiguen canciones inolvidables como "All Is Found", "Show Yourself" e "Into the Unknown".

Esos elementos magnifican la narrativa añadiendo textura a los conflictos de las protagonistas cuando se enfrentan a los temores intrínsecos y externos que les impide reconocer el poder del amor y la reconciliación. Aunque el ritmo decae un poco, no dejo de quedarme cautivado por la nueva odisea de Elsa. Es una película animada muy divertida.

Ficha técnica
Título original: Frozen II
Año: 2019
Duración: 1 hr 43 min
País: Estados Unidos
Director: Chris Buck, Jennifer Lee
Guion: Jennifer Lee
Música: Christophe Beck, Frode Fjellheim
Fotografía: Tracy Scott Beattie, Mohit Kallianpur
Reparto (voces): Kristen Bell, Idina Menzel, Josh Gad, Jonathan Groff
Calificación: 7/10

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Me divierto mucho viendo 'Sr. Link', la nueva película de animación en volumen de los estudios Laika, considerando el hecho de que me aburrieron las propuestas anteriores de la productora. Esta sí la disfruto. Es graciosa para mi gusto.

La fábula de la historia relata las hazañas de Lionel Frost, hombre de ciencias y explorador predilecto, que se considera a sí mismo el mayor investigador de mitos, monstruos y leyendas, algo que se aprecia desde la primera secuencia en la que intenta capturar al monstruo del lago Ness. Su confianza choca con los miembros conservadores de un club muy selecto de esnobistas intolerantes que cuestionan las cosas que él cuenta. Para probar que ellos están equivocados, Frost se propone viajar por el noroeste americano para buscar el Eslabón Perdido (Pie Grande), una misterioso monstruo con aspecto de gorila humanizado. Así comienza todo.

Su viaje me conquista con los hermosísimos escenarios por los que se pasea junto a su compañero gigantesco y a la mujer a la que ama, construidos a partir de un correcto trabajo de animación 'stop-motion' que en ningún momento abandona el nivel de detalle de los decorados ni el uso del color. Es un estilo visual portentoso. Los personajes son agradables, especialmente la química del trío conformado por el Frost, Sr. Link y la independiente Adelina.

Las circunstancias que atraviesan me contagian de su humor, en unos conflictos que enriquecen las escenas, como la pelea en la taberna del pueblo del viejo oeste, el robo de la bóveda, la contienda en el barco que navega en medio de la tormenta, la travesía por Europa y la climática secuencia en el gélido paraíso de Shangri-La. El ritmo narrativo es muy acertado, al igual que la empática banda sonora. Asimismo, es interesante cuando aborda temas como la intolerancia, la exclusión, los prejuicios y el valor de la amistad. Es una aventura animada muy entretenida.

Ficha técnica
Título original: Missing Link
Año: 2019
Duración: 1 hr 33 min
País: Estados Unidos
Director: Chris Butler
Guion: Chris Butler
Música: Carter Burwell
Fotografía: Chris Peterson
Montaje: Stephen Perkins
Reparto (voces): Hugh Jackman, Zach Galifianakis, Stephen Fry, Zoe Saldana
Calificación: 7/10

Streaming en:

Me llevo una agradable sorpresa viendo a 'Perdí mi cuerpo', la película de animación francesa estrenada en la plataforma de Netflix. Es impredecible, simple y muy poética.

Cuenta la insólita fábula de una mano amputada que, aparentemente, cobra vida en los interiores de un laboratorio porque anhela arrastrarse hasta volver a encontrarse con el cuerpo al que pertenece. La travesía de la mano es muy conmovedora cuando me pasea por las calles de París, presentando golpes de efecto minúsculos que la colocan frente a una paloma entrometida, los oscuros interiores de un zafacón, el hostil mundo de las ratas que habitan en las alcantarillas del metro, la orilla del río de la soledad, la casa de un hombre y su perro. Una acción paralela a la de la mano también describe la existencia vacía de Naoufel, un joven repartidor de pizza con un pasado trágico que se enamora de una muchacha llamada Gabrielle.

El meticuloso montaje paralelo disecciona la simbiosis evidente que hay entre la mano y Naoufel, partiendo de la elipsis, de sutiles raccords, de escenas retrospectivas que construyen el rompecabezas y de una multitud de planos cargados de significados simbólicos (las moscas, el mapamundi, la lata, el ave muerta, el libro feminista, el iglú, la grúa, etc) para comunicar metáforas sobre el destino, la exclusión social, la falta de afecto, la culpa interminable y el sacrificio que es necesario para superar las heridas del pasado que obstaculizan cualquier intento de ajustarse a la cotidianidad y a las contrariedades de la adultez, esa necesidad de hallar las partes ausentes de la identidad.

El estilo visual proyecta una animación preciosa que se presta a los detalles. También se destaca la música empática de Dan Levy y el inteligible uso del color. Puede que el relato de amor sea un poco trivial, pero no deja de ser profunda, triste y desgarradora con los personajes que presenta. Es una emotiva película del director debutante Jérémy Clapin.

Ficha técnica
Título original: I Lost My Body (J'ai perdu mon corps)
Año: 2019
Duración: 1 hr 21 min
País: Francia
Director: Jérémy Clapin
Guion: Jérémy Clapin, Guillaume Laurant
Música: Dan Levy
Fotografía: Yves Bélanger
Reparto (voces): Hakim Faris, Victoire Du Bois, Patrick d'Assumçao
Calificación: 7/10

Streaming en:

La película me hace pasar un rato agradable cuando visualizo la nueva aventura de Ralph y Vanellope por los rincones más habituales de la Internet. Ralph y Vanellope, quienes parlotean con un enriquecedor trabajo de voz de Sarah Silverman y John C. Reilly, se hallan viviendo todavía en la sala de máquinas recreativas, seis años después de salvar el juego Sugar Rush. Allí conviven con personajes icónicos de los videojuegos y yo me divierto con ellos a partir de las contrariedades ocasionadas por el volante roto de un coche de carreras que conduce Vanellope en Sugar Rush, cosa que termina con la desconexión del aparato y el desalojo de los habitantes.

En ese momento, cuando Ralph decide aventurarse con Vanellope en Internet a través del enrutador Wifi con el objetivo de resolver el problema, surgen algunas escenas estupendas, como la colorida llegada a la metrópoli virtual de la Internet en la que viven miles de internautas y se sorprenden al ver edificios enormes de marcas como Google o Facebook, la hilarante escena de la subasta en los dominios de eBay, la sorprendente persecución en automóvil a toda velocidad del juego en línea Slaughter Race, la inesperada fama de Ralph al viralizarse en la plataforma para compartir videos BuzzTube, la contienda climática con el virus de la red oscura que intenta acabar con todo.

Los protagonistas consiguen emocionarme y poseen gran sentido del humor, la animación es asombrosa y propensa a elaborar detalles que encierran múltiples referencias a la cultura popular, los desaciertos son escasos. Compone un comentario muy interesante sobre la amistad, la inseguridad y el impacto de los medios digitales. Es una secuela muy entretenida de una franquicia que está navegando por un camino ingenioso.

Ficha técnica
Año: 2018
Duración: 1 hr 52 min
País: Estados Unidos
Director: Rich Moore, Phil Johnston
Guion: Phil Johnston, Pamela Ribon
Música: Henry Jackman
Fotografía: Nathan Warner
Reparto (voces): John C. Reilly, Sarah Silverman, Gal Gadot
Calificación: 7/10

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Esta tercera entrega de "Cómo entrenar a tu dragón" representa una conclusión satisfactoria de la trilogía, me divierto mucho viendo nuevamente a Hipo y a su inseparable amigo, Chimuelo, en una aventura fantástica y muy emotiva que habla de la importancia los vínculos familiares, la amistad que perdura en el tiempo y la libertad de seres que yacen en un cautiverio pacífico.

Los personajes que muestra han madurado y los problemas que a los que deben lidiar me sorprenden cuando se enfrentan a un cazador de dragones llamado Grimmel que intenta cazar y, dentro de sus posibilidades, matar a un dragón Furia Nocturna.

El argumento se construye sobre la idea del liderazgo que desarrolla Hipo con el pueblo Vikingo que vive en la tranquilidad, en el que aparecen los personajes secundarios que aportan comicidad, las manadas de dragones que surcan los cielos de la isla de Berk, la cotidianidad que exhibe las costumbres de los vikingos. Está elaborada con unos efectos visuales asombrosos, con una animación propensa a cualquier tipo de detalle de ambientación y diseño de personajes.

También cuenta con escenas y secuencias muy emocionantes, como la introducción en la que Hipo y sus secuaces liberan a unos dragones aprisionados, el hilarante y tierno ritual de cortejo entre Chimuelo y Furia Luminosa, la infiltración en la base enemiga, la cómica cautividad de Brutilda en manos de Grimmel, el climático enfrentamiento entre la tribu de Hipo y la banda de Grimmel para rescatar a los dragones. Lo consigue, casi siempre, con una cohesión que se sostiene durante de una hora y media. El final me ha sacado lágrimas, la despedida me conmueve. Es una película encantadora, sincera y muy entretenida.

Ficha técnica
Título original: How to Train Your Dragon: The Hidden World
Año: 2019
Duración: 1 hr 44 min
País: Estados Unidos
Director: Dean DeBlois
Guion: Dean DeBlois
Música: John Powell
Fotografía: John Alton
Reparto (voces): Jay Baruchel, America Ferrera, F. Murray Abraham
Calificación: 7/10

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